Tanz-Welt

Verleihung des Tanzpreises 2010 der LH München

2010-06-20T01:54:00.000-07:00

München (tanz-welt) - Als Anerkennung eines Lebenswerks bzw. des Gesamtschaffens von Künstlerinnen und Künstlern aus allen Stilrichtungen des Tanzes vergibt die Stadt München alle drei Jahre den mit 10.000 Euro dotierten Tanzpreis. Jessica Iwanson wird das Preisgeld komplett in die Iwanson-Sixt-Stiftung für zeitgenössischen Tanz fließen lassen, die es wiederum als Weiterbildungsstipendien an junge Tänzer ausschüttet.

In der Begründung schreibt die Jury:

"Seit fast vier Jahrzehnten leistet Jessica Iwanson unermüdlich bemerkenswerte Pionierarbeit für den zeitgenössischen Tanz vor allem in München, stets jedoch mit dem Anspruch, Modern Dance in einer internationalen Perspektive zu vermitteln. Aus kulturhistorischer Perspektive betrachtet geschah dies bereits zu einem Zeitpunktals der zeitgenössische Tanz in München noch keine in die Öffentlichkeit hinein wirkende Plattform hatte.

Von Anfang an bildete die "Iwanson-Schule" Tänzer/innen europäischer Herkunft aus und förderte deren professionelle Entwicklung und internationale Ausrichtung. Hervorgehoben sei in diesem Zusammenhang:

Die "Iwanson-Schule" bereitete kontinuierlich den Weg dafür, dass sich in der Stadt München eine "freie Tanz-Szene2 nachhaltig entwickeln konnte und dass diese fortlaufend durch Absolventen (Tänzer/innen, Choreographen/innen) neue Impulse erhält.

Im Gegensatz zu manch anderen Kolleg/innen und trotz mitunter schwieriger Bedingungen bleibt Jessica Iwanson in München. Sie engagiert sich auf bemerkenswerte Art und Weise, kreativ und künstlerisch kompetent im Bereich des Tanzes.

Jessica Iwanson setzt kulturelle Impulse und ist nach wie vor visionär: Zusammen mit ihrem Mann Stefan Sixt gründete sie jüngst die "Iwanson-Sixt-Stiftung für zeitgenössischen Tanz" und das Nachwuchsprogramm "Junger Tanz München". Beide Programme repräsentieren exemplarisch nachahmenswerte, gelungene Modelle von "public private partnership", Kulturförderung durch Kooperation zwischen öffentlicher
Institution und privater Initiative. Jessica Iwanson steht kongenial für die Motivation, Tanz-Kultur in der Stadt München voranzubringen."

Der Jury gehörten an: Ferenc Barbay (Preisträger 2006), Dr. Tanja Ertel (Tanzwissenschaftlerin), Eva-Elisabeth Fischer (Süddeutsche Zeitung), Sigrid Gareis (Kuratorin für Tanz), Dr. Georg Lechner (ehem. Programmleiter Tanz, Goethe-Institut), Hans Henning Paar (TanzTheaterMünchen) sowie aus dem Stadtrat Dr. Ingrid Anker (SPD), Thomas Niederbühl (Die Grünen/RL), Monika Renner (SPD), Ursula Sabathil (CSU) und Elisabeth Schmucker (CSU).

Die Verleihung des Tanzpreises 2010 an Jessica Iwanson erfolgt zusammen mit der Verleihung des Förderpreises Tanz 2010 an den Tänzer und Choreographen Ludger Lamers am Montag 5. Juli, 19 Uhr, im Alten Rathaussaal im Rahmen einer geschlossenen Veranstaltung.

Jessica Iwanson: Die Ikone der Tanzavantgarde

2009-10-28T06:14:00.000-07:00

Kurzbiografie von Jessica Iwanson, geboren am 21. April 1948 in Stockholm

Jessica Iwanson wird in der Presse nicht zu Unrecht als Begründerin des zeitgenössischen Tanzes in München bezeichnet. Schon in den 1970-er Jahren gründete die schwedische Choreographin in München eine heute international hochangesehene Schule und ihre eigene Company. Mit Vorstellungen in den damaligen Spielstätten Zirkus Krone, Leopoldtheater und der alten Alabamahalle aber auch mit Auftritten im Rahmen der Reihe München Kultur am Marienplatz sowie anlässlich der IGA im Westpark gewann sie einem damals hierzulande noch neuen Genre ein Publikum.

Ihrer nordischen Heimat blieb sie als Ballettdirektorin in Stockholm und Bergen sowie als Gastchoreographin stets verbunden; Stadttheater in Norwegen, Finnland, Dänemark und Schweden spielen heute ihr Repertoire.

Jessica Iwanson hat ihr künstlerisches Credo klar formuliert: „Alles, was Pose ist und als rein ästhetische Form die Aufmerksamkeit auf sich lenkt, lehne ich ab. Angefangen habe ich wohl mit abstrakten Stücken. Aber jetzt gilt dieses Adjektiv für meine Choreographien nur noch, als es auch handlungslos bedeutet. Denn ich will Bewegung nicht mehr nur als rein motorische Aktion, sei sie auch noch so logisch oder optisch wirkungsvoll. Jede Bewegung muss ein Gefühl ausdrücken.“

Seit Mitte der 1990-er Jahre thematisierte sie in München mit den abendfüllenden Produktionen FLYTTFAGLAR (Zugvögel), ÖKNEN (Wüste) und SNÖ (Schnee) auf immer neue Weise das Spannungsverhältnis von Natur und Mensch.

1997 inszenierte sie für das schwedische Fernsehen NIGHTBIRDS, eine choreographische Reise in die Bilderwelt Edward Hoppers nach der Musik von Harald Weiss. NIGHTBIRDS oder auch NATTFAGLAR, wie das schwedische Original heisst, wurde inzwischen mehrmals auf ARTE und 3sat auch im deutschsprachigen Raum gesendet, zuletzt im Herbst 2000.

In jüngerer Zeit thematisierte sie die choreographische Erfahrung von Raum und Zeit: 1998 in San Diego mit CONNECTING FLIGHT, 1999 mit der Produktion ANDERE ORTE sowie mit TIME OUT mit Premiere im DEZEMBER 2000 in München.

Das Morgenmagazin von ARD/ZDF nannte Jessica Iwanson das "Bindeglied zwischen der Gründergeneration des Modern Dance und einer jungen Generation von Choreographen". In der Tat trainierte Jessica Iwanson als junge Tänzerin noch bei Legenden der Tanzgeschichte wie Martha Graham, Alvin Ailey oder Birgit Cullberg, und wirft man heute einen Blick auf die zeitgenössische Tanzszene Münchens, entdeckt man sowohl bei Tänzern als auch bei Choreographen eine ganze Generation von Absolventen der Iwanson Schule. So fliessen seit Jahren weit über 50 Prozent der Tanz-Fördermittel des Kulturreferats der Stadt München an Produktionen ehemaliger Iwanson-Studenten.

Im Frühjahr 2001 wurde Jessica Iwanson "für ihre Verdienste um den zeitgenössischen Tanz" mit der Ehrenmedaille München leuchtet in Silber ausgezeichnet. Bürgermeisterin Dr. Gertraud Burkert überreicht Jessica Iwanson die Medaille "München leuchtet - Den Freunden Münchens" in Silber. Dabei stellte sie fest: "Ihnen und Ihrer Schule ist es zu verdanken, dass München, wo der Tanz erst in jüngster Zeit die ihm gebührende Rolle unter den darstellenden Künsten eingenommen hat, auch in der Ausbildung ganz vorne mitmischt."

Im Frühjahr 2005 brachte Jessica Iwanson, 20 Jahre nach ihrem letzten Soloabend wieder eine Soloproduktion heraus. Die umjubelte Premiere im tanzspeicher Würzburg wird von der Presse begeistert besprochen: "Das ist getanztes Theater auf höchstem Niveau."

Im Herbst 2006 brachte sie im Münchner Künstlerhaus die Strindbergadaption DIE STÄRKERE heraus und begründete im April 2007 die Iwanson-Sixt-Stiftung für zeitgenössischen Tanz, die jährlich die begehrten Isadora Awards verleiht.
Um der weit grenzübergreifenden Ausrichtung ihres Ausbildungszentrums Rechnung zu tragen, wird die Schule 2009 zu Iwanson International.

Der Münchner Kulturreferent Dr. Hans Georg Küppers gratulierte ihr als der "Grande Dame des modernen Tanzes" charmant zum 60. Geburtstag und ist inzwischen als Preisverleiher des Isadora-Awards ein regelmäßiger Gast bei den Gala-Abenden von Iwanson International.

*

Jessica Iwanson - Zitate aus der Presse

Dance for You, 7/8 2008:
"Die Botschafterin des modernen Tanzes wurde 60 – ...so ist es nicht verwunderlich, dass sich das Tanzstudio der frühen 70er Jahre im Laufe der Jahrzehnte in eine der grössten und angesehendsten Schulen für zeitgenössischen Tanz verwandelt hat."

Tanzjournal, Juni 2008:
"Anfang der siebziger Jahre kam Jessica Iwanson nach München, ... Im Gepäck: Modern Dance, Aktivismus und viel Energie. Inzwischen ist sie eine Institution in der bayerischen Landeshauptstadt, hat seit langem ihre eigene Schule und rief 2007 mit ihrem Partner Stefan Sixt die Iwanso-Sixt-Stiftung ins Leben."

Münchner Merkur, 24.04.08:
"Iwanson gilt als Begründerin einer der bedeutendsten und größten Schulen für zeitgenössischen Tanz in ganz Eruopa. ... nahezu eine ganze Generation von Profitänzern weltweit rekrutiert sich aus Iwanson-Schülern ..."

APPLAUS, 4-2008:
"Der Erfolg des langen Atems – Die blonde Schwedin steht für gut 30 Jahre Tanzausbildung in München ... In diesem professionellen Bereich hat sich die Iwanson Schule hohes Ansehen erworben."

Münchner Merkur, 11.12.07:
"Heute schon die ersten Pfeiler für die Zukunft bauen – Seit 30 Jahren besteht Jessica Iwansons "Dance Center", Münchens renommierte Ausbildungsstätte für professionellen zeitgenössischen Tanz."

Passauer neue Presse, 22.11.07:
"30 Jahre Iwanson-Schule ist für Schulleiter Stefan Sixt kein Grund, sich auszuruhen. _ ... Aus (Jessica Iwansons) Studio hat sich ab 1982, vor allem durch die zielstrebig Planung von Schulleiter und Lebenspartner Stefan Sixt, eine international renommierte Ausbildungsstätte für professionellen zeitgenössischen Tanz entwickelt."

INNSIDE, OKTOBER 07:
„Seit über 30 Jahren prägt die schwedische Choreographin Jessica Iwanson nachhaltig die Tanzszene Deutschlands. Generationen von Tänzern und Choreographen haben die Ausbildung absolviert und sind international in einer Vielzahl von Produktionen zu sehen."

Dance for You Magazine 7/07.
"Fördern, helfen, motivieren... Jessica Iwanson und Stefan Sixt haben Deutschlands erste Stiftung für zeitgenössischen Tanz ins Leben gerufen."

SZ, 22. 5. 07:
"Talente fördern
Jessica Iwanson, die ein Kritiker einmal die "Duncan des Nordens" nannte, und ihr Mann Stefan Sixt – seit 25 Jahren leiten sie gemeinsam die renommierte Iwanson-schule für zeitgenössischen Tanz – haben sich einen Traum erfüllt und mit viel Elan und eigenem Startkapital von 50.000 Euro die "Iwanson-Sixt - Stiftung Zeitgenössischer Tanz" ins Leben gerufen."

dance magazine, 1-07 (zur Strindbergadaption "Die Stärkere"):
"Und die Iwanson tanzt. Tanzt wenn sie sitzt, tanzt wenn sie steht, tanzt mit zurückgenommenen, sparsamen Bewegungen. Wir sehen sie tanzen obgleich sie mit übergeschlagenen Beinen am Caféhaustisch sitzt und sich ihrer roten Pumps entledigt."

Applaus, 1-07.
"Talentschmiede Iwanson"

dance for you magazine, 11-06:
"Als Choreographin hat Jessica Iwanson Glanzlichter zeitgenössischen Tanzes geschaffen, als Performerin hat sie Kultstatus."

dance for you magazine, 7-05:
"In wenigen Sekunden zieht die Schwedin ihr Publikum in Bann. Es träumt mit ihr, fliegt mit ihr davon und gerade dannholt sie es, ,mit einer kleinen Geste, einer raschen Köperwendung zurück. Sie bricht den Bann und macht uns Lachen. Das ist getanztes Theater auf höchstem Niveau. Mit ihrer Art episodenhaften Erzählens, in dem das Wort, die darstellerische Geste und der physische Tanz gleichberechtigt nebeneinanderstehen und sich durchdringen hat Jessica Iwanson ein eigenes Genre für sich entwickelt: Ein choreographisces Kabarett, ja eine getanzte Solo-Oper."

Kulturbegegnungen:
"Jessica Iwanson ist eine international bekannte Tänzerin, Choreographin und Tanzpädagogin. Die von ihr gegründete Schule für Tänzer und Tanzpädagogen ist eine weltweit renommierte Ausbildungsstätte."

Mainpost:
"Jessica Iwanson ist eine der wichtigsten Vertreterinnen des zeitgenössischen Tanzes."

tanz-journal ( zum Soloprogramm):
"das Ergebnis steckt voller Saft und Kraft und Lust."

ARD:
"Jessica Iwanson ist das Bindeglied zwischen der Gründergeneration des Modern Dance und der jungen Generation von Choreographen"

Landshuter Zeitung:
"Ein Stück Tanzgeschichte"

PETRA:
"Jessica Iwanson ist die Ikone der Tanzavantgarde. Ihre Schule ist deutschlands grösste für zeitgenössischen Tanz."

MÜNCHNER MERKUR;
"Jessica Iwansons Verdienste als Pionierin des Modern Dance sind gar nicht hoch genug einzuschätzen."

MADAME:
"Jessica Iwanson und ihre Schule in München sind eine Institution. Sie zählt zu den führenden in Europa."

PRINZ:
"Das Iwanson ist eine der wichtigsten Adressen für die Ausbildung in zeitgenössischem Tanz."

DEUTSCHE BÜHNE:
"Jessica Iwanson hat eine der grössten privaten Schulen für zeitgenössischen Tanz aufgezogen."

Fachzeitschrift "tanz affiche":
(Gekürzt) "Was macht die jungen Tänzer aus München so attraktiv für Choreographen und Regisseure? Auf den ersten Blick unterscheidet sich die Stundentafel nicht so nachhaltig von vergleichbaren Akademien im Ausland. Eines allerdings fällt gravierend ins Auge: man setzt mit ganzem Herzen auf zeitgenössischen Tanz. Ein Konzept, das aufzugehen scheint, denn immer wieder werden Iwanson Absolventen mit Preisen ausgezeichnet. Noch eines fällt ins Auge: Schon im ersten Ausbildungsjahr beginnt der Pädagogikunterricht als fester Bestandteil des Curriculums. Für die Teilnehmer am Abendschul-Programm ist Pädagogik das Hauptthema. Dieses Intensivprogramm ist einmalig in Europa.
Wer die Iwanson Schule in München persönlich besucht, erlebt ein modernes Schulungszentrum für Tanz. Nicht nur die grossen Ausbildungsprogramme prägen den täglichen Unterrichtsbetrieb. Im Rahmen der internationalen Nachwuchsförderung schafft die Schule ein Forum für Jugendliche, die sich für die zeitgenössischen Tanzformen interessieren. Kaum ein Wochenende vergeht, an dem nicht Pädagogik Workshops speziell für Lehrer angeboten werden. Motor hinter all diesen Programmen ist die international durch ihre Tanzproduktionen bekannte schwedische Choreographin Jessica Iwanson und Stefan Sixt..."

Ernst Schubert zur Produktion ANDERE ORTE 1999, Akademietheater München:
„Poetische Reise
Nach der umstrittenen "eisfrei-Produktion" von 1997 kündigte Jessica Iwanson unter dem Titel "Andere Orte" einen choreographischen Neuaufbruch an. Mit neuem Team präsentierte sie sich an neuem Spielort, dem Akademietheater im Prinzregententheater.
Iwanson & C:ie heisst nunmehr kryptisch die Gruppe von internationalen Spitzentänzern, vier Männern und einer Frau, die physisch und dramatisch in jedem Augenblick der gut einstündigen Vorstellung begeistern.
Zwar war die im Pressetext annoncierte Magie des Raumes nur schwer auszumachen, doch nahm einen schon der erste Ton, den der Komponist Harald Weiss life seiner steeldrum entlockte gefangen und lenkte die ungeteilte Aufmerksamkeit auf ein grosses Bühnenwerk.
Jessica Iwanson hat ihre Erzähltechnik drastisch erneuert, ohne sich dabei stilistisch zu verleugnen. Ihre tänzerische Ästhetik verlangt den Darstellern, besonders in den Solis und akrobatischen Männerduetten das äusserste ab. Ihre Dramatik ist einmal von somnambuler Poesie, dann wieder valentinesk grotesk: Wenn der sensible und zerbrechlich wirkende Tommy Hakanson beispielsweise von dem als grobschlächtigen Einfaltspinsel dargestellten Petr Kolar ein ums andere mal niedergeschlagen wird und am Ende doch noch der freundschaftlich dargereichten Hand vertraut; das durch Bewegungswitz evozierte Lachen bleibt im Halse stecken, wenn der Grobian erneut zuschlägt.
Manche Szenen allerdings wirken weniger greifbar und man nickt der in der Klangkollage verborgenen Stimme des Bayern "i hab gar net gwusst was der moant" gelegentlich zu. Doch auch solchermassen überchoreographierte Passagen werden durch den stets nachvollziehbaren roten Faden und vor allen Dingen durch perfektes Timing ins Gesamtwerk integriert. Meisterlich spielt die Iwanson auf der Klaviatur der Gefühle, setzt Pointen und hält die Spannung vom ersten zum letzten Moment.“

*

Jessica Iwanson - Werke

1985 Soloabend in München; Kritikerpreis "tz-Rose"
1. Preis Chroeographiewettbewerb in Nyon, Schweiz mit "Ansikter"
1986 Einladung zum Festival de Danse Contemporaire in Montreal
1986/87 Künstlerische Leiterin für "Riksteatern" in Stockholm. Es
entsteht die Prodktion "Cafe Pingvin"
1988 Neuproduktion "Skagen" mit der Iwanson Dance Company in München
1989 Einladung zum Modern Dance Festival in Prag
1990 Neuproduktion "Nordpol" mit der Iwanson Dance Company in München
1991/92 Ballettchefin für Nye Carte Blanche in Bergen (Norwegen); es entstehen die zwei Neuproduktionen "Nora" und "Nighthawks"
1993 Gastchoreographien in Finland (Hurjaruut), Dänemark (MBT Dansteater) und Schweden (Östgötateatern)
1994 Neuproduktion "Zugvögel" mit der Iwanson Dance Company in München, Kritikerpris "tz-Rose"
1995 Tournee "Flyttfaglar" (Zugvögel), mit dem dänischen MBT Danseteater nach Gdansk, Petersburg, Riga, Helsingfors, Aarhus, Kopenhagen, Göteborg
Neuproduktion "Wüste" mit der Iwanson Dance Company in München
1996 Neuproduktion "Mörkvitt" für Norrdans, Schweden
Gastspiel mit der Münchner Company in Harare, Zimbabwe in Zusammenhang mit Begründung der Städtepartnerschaft
1997 Verfilmung von "Nattfaglar" für das schwedische Fernsehn
Neuproduktion "Schnee" mit der Iwanson Dance Company in München
1998 Neuproduktion "Skär" für Norrdans, Schweden
Gastchoreographie anlässlich der Eröffnung des Münchens Künstlerhauses
Seminartätigkeit in New York, guest artist series, Dance Space
1999 Gastchoreographie "Connecting Flight" für die Malashock Dance Company, San Diego, USA
Neuproduktion "Andere Orte" mit der Iwanson Dance Company in München
2000 Kurzgastspiel in Hannover
Neuproduktion "Time Out" mit Gastchoreographien von Andereas Abele und Katja Wachter
2001 Ehrenmedaille "München leuchtet" in Silber für Jessica Iwansons Verdienste um den zeitgenössischen Tanz
2002 Neuproduktion "Zeitfenster" mit der Iwanson Dance Company in München
Gastchoreographie "Tris för 4 dansare" für Ãlvsborgsteater (Schweden)
Gastchoreographie "Clockwork" am Stadttheater Malmö (Schweden)
Publikumspreis beim Theaterfest Gauting
Gastchoreographie "Gesichter" am Stadttheater Malmö
2005 Soloabend "...und dann?", Premiere im tanzSpeicher Würzburg
2006 DIE STÄRKERE choreographisches Kammertheater nach Strindberg
2007 ANDERE VÖGEL für das Postgraduate-Projekt SMDP
2008 ANDERE VÖGEL REMIXED - für den internationalen Tänzerwettbewerb in Seoul, Korea; getanzt von Marie Preußler und Mathias Schwarz
ANDERE VÖGEL REMIXED - für DANCE 2008 und die Aids-Gala im Gärtnerplatztheater; getanzt von Marie Preußler und Mathias Schwarz

Königinnen des Tanzes - Buch bei "GRIN"

2008-08-05T08:23:00.000-07:00

Audio-CD: "Tanzfest im Regenwald - Märchen und Musik aus Afrika"

2008-07-02T05:34:00.000-07:00

Rosenheim (tanz-welt) - In Afrika tanzen die Menschen anders als in Europa: Sie setzen sämtliche Körperteile ein: Arme, Beine, Schultern, Kopf, Brustkorb und Becken - jede Körperregion leistet ihren Beitrag zur Tanzfigur. Der afrikanische Tanz bedeutet Lebenslust. Die Afrikaner tanzen bei Festen, zu Ehren des Regengottes oder aus Freude am Marktplatz zu den rhythmischen Klängen der Trommelmusik.

Die neu im Musikverlag Edition AMPLE erschienene Audio-CD "Tanzfest in Afrika - Märchen und Musik aus Afrika" der Gruppe kuntu bringt Kindern auf lebendige Weise die Lebenslust des afrikanischen Tanzes näher. Da wird getrommelt, in Wechselrhythmen gesungen, und sogar die Geschichten erzählen von den Tänzen in Afrika. Wer jemals vor Begeisterung in die Luft sprang und vor Freude tanzte, kommt um die CD nicht herum. Sie bietet Gelegenheit, afrikanischen Tanz zur Trommelmusik zu erproben. Beim Stück "Tanz mit mir" können die Kinder vom Begleitchor hören, welche Bewegung dran ist. Und bei "Die Trommel ruft zum Tanz" haben die kleinen Hörer die Entscheidungsfreiheit: Vielleicht lassen sie sich von den Erwachsenen Tanzschritte zeigen, vielleicht zeigen sie ihnen aber auch ihre eigenen Ideen.

Die elf Lieder, Tänze und Geschichten lassen den Kontinent Afrika lebendig werden und animieren Kinder zur eigenen gestalterischen Arbeit. Im ausführlichen Begleitheft finden sich neben Noten und Texten erläuternde Einführungen zu den einzelnen Geschichten sowie Anleitungen zum bildhaften oder darstellerischem Nacherleben. Der Tonträger "Tanzfest in Afrika" stellt einen idealen Beitrag zum interkulturellen Lernen im Kindergarten, in der Schule oder Zuhause dar.

Audio-CD inklusive Begleitheft der Gruppe kuntu. Spieldauer 70:10 Minuten
ISBN 978-3-935329-91-0, Preis: 14,95 Euro
Musikverlag Edition AMPLE - http://www.tierstimmen.de
Amazon-Link:
http://www.amazon.de/Tanzfest-Regenwald-von-Afrika-M%C3%A4rchen/dp/3935329911/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=books&qid=1214990564&sr=1-1

Videos: "Josephine Baker: The First Black Superstar"

2008-04-11T10:42:00.001-07:00

Videos: "Josephine Baker: The First Black Superstar" von "mrlopez2681" bei Youtube

Video: "Dancing Art"

2008-03-29T23:32:00.000-07:00

Dancing Art - The most popular videos are a click away

Video: "Dancing Art" von "magicircus" bei "metacafe.com"
http://www.metacafe.com/watch/1194580/dancing_art/

Video: "Linda lernt Bauchtanzen"

2008-01-30T10:36:00.000-08:00

Link: sevenload.com

Video: "Linda lernt Bauchtanzen" von "Lindas Welt" bei Sevenload

Beschreibung des Videoclips:
http://de.sevenload.com/videos/MFugHdE/Lindas-Welt-Linda-lernt-Bauchtanzen

Lindas Feuer wurde wieder entfacht! Vor 2 Jahren war Linda in einem Ägypten-Urlaub, dort nahm sie Bauchtanzstunden die sie leider nicht weiter geführt hat. Wie der Zufall will, wurde das Feuer durch einen Freund entfacht. Mama Fatima ist begeisterte Bauchtänzerin und Linda nimmt nun Tanzstunden. Ob Linda nach 2 Jahren eingerostet ist seht ihr in dieser Folge ...

Video: "Studio Oriental"

2008-01-16T04:33:00.000-08:00

Video: "Studio Oriental" bei Youtube
http://www.youtube.com/watch?v=DpA9qWRS4ro

Beschreibung des Videoclips:

Im Vordergrund der Orient-Show steht der Bauchtanz in Solis und Gruppen-Choreografie. Er wird bestimmt von weiblicher Anmut und Freude an taenzerischer Bewegung. Weiche, fliessende Hand-und Armbewegungen zum Spiel der Mimik machen diesen Tanz besonders ausdrucksstark. Studioleiterin Gertrud Schnepf legt großen Wert auf saubere Tanztechnik. Sie ist Mitglied im Bundesverband orientalischer Tanz und in der Yoga-Vereinigung Deutschland. Als ausgebildete Yogalehrerin ist sie vertraut mit den koerperlichen Bewegungsablaeufen. 22 hinreissende Tanzbilder wurden bei der Galashow im Guenzburger Forum am Hofgarten dargeboten. Die exotischen Taenzerinnen kommen aus den unterschiedlichsten Berufen und Altersstufen. Sie erwecken nicht nur Traeume aus 1.000 und einer Nacht, sondern beweisen unter anderen
auch, dass orientalische Taenze sehr gut auch zu europaeischen Rhythmen passen.

Pina Bausch: Die "Königin des deutschen Balletts"

2007-12-23T03:16:00.001-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" (2002) von Ernst Probst:

Zur Schöpferin einer neuen Darstellungsform zwischen Tanz und Sprechtheater entwickelte sich die deutsche Tänzerin, Ballettdirektorin und Choreographin Pina Bausch. Kenner rühmen sie als bedeutendste Vertreterin des aus dem „Modern Dance“ hervorgegangenen „New Dance“ in Deutschland oder als „Königin des deutschen Balletts“. Sie machte Wuppertal zu einem Weltzentrum des Tanzes. Die umfangreiche Liste ihrer Choreographien und eigenen Stücke mit dem „Tanztheater Wuppertal“ umfasst inzwischen 1974 und 1998 mehr als 30 Werke.

Pina Bausch wurde am 27. Juli 1940 als Tochter eines Gastwirts in Solingen geboren. Nach frühem Ballettunterricht in der Kinderzeit begann sie mit 14 Jahren ihre tänzerische Ausbildung bei Professor Kurt Jooss an der „Folkwangschule“ in Essen. 1958 trat sie bei den „Schwetzinger Festspielen“ und bei den „Ruhrfestspielen“ in Recklinghausen auf. Im selben Jahr bestand sie die Abschlussprüfung für Bühnentanz und Tanzpädagogik.

Dank des „Folkwang-Leistungspreises“ erhielt Pina Bausch ein Stipendium des „Akademischen Austauschdienstes“ (AAD) für die USA. Damit setzte sie 1960 die tänzerische Weiterbildung als „Special Student“ an der „Juillard School of Music“ in New York fort. Damals schloss sie sich auch der „Dance Companie Paul Sansardo and Donya Feuer“ an. 1961 engagierte man sie als Mitglied des „New American Ballett“ an der New Yorker „Metropolitan Opera“ („Met“).

1962 kehrte Pina Bausch nach Deutschland zurück und wurde Solistin des neugegründeten „Folkwang-Balletts“ unter Professor Kurt Jooss. Mit diesem Ballett unternahm sie Tourneen in die Niederlande, Belgien, Großbritannien, Italien und in die frühere Deutsche Demokratische Republik (DDR). 1962, 1964 und 1966 tanzte sie erneut bei den „Schwetzinger Festspielen“. Ab 1967 war der Bühnenbildner Rolf Borzik ihr Lebensgefährte und engster Mitarbeiter. 1967 arbeitete sie mit Jean Cebron beim „Festival of the two Worlds-Spoleto“ zusammen und trat in Amsterdam, Rotterdam, Hamburg und London auf.

1968 begeisterte Pina Bausch beim „Festival Jocobs Pillow“ in den USA und bei den „Salzburger Festspielen“. Außerdem choreographierte sie in jenem Jahr für das „Folkwang-Ballett“ das Stück „Fragment“ – nach dem ungarischen Komponisten und Pianisten Béla Bartok (1883–1945) – und „Im Wind der Zeit“ – zu Musik von Mirko Dorner. 1969 gewann sie mit „Im Wind der Zeit“ den ersten Preis beim renommierten „Kölner Choreographen-Wettbewerb“.

1969 übertrug man Pina Bausch die Leitung des „Folkwang-Tanzstudios“ und eine Dozentur an der Essener „Folkwang-Hochschule“. Im selben Jahr studierte sie für die „Schwetzinger Festspiele“ die „Fairy Queen“ in der Choreographie von Kurt Jooss ein.

1970 rückte Pina Bausch mit der Uraufführung des Balletts „Nachnull“ erstmals von der „Modern Dance“-Tradition ab. Ebenfalls 1970 wirkte sie als Gastchoreographin am „Rotterdam Dance-Centrum“ und als Dozentin für modernen Tanz bei den „Frankfurter Sommerkursen“. 1971 entstand im Auftrag der „Wuppertaler Bühnen“ ihr Ballett „Aktionen für Tänzer“. Für das selbe Theater choreographierte sie 1972 erfolgreich das „Thannhäuser-Bacchanale“. In jenem Jahr wurde auch ihre Choreographie „Wiegenlied“ uraufgeführt.

1973 erhielt Pina Bausch den „Förderpreis des Landes Nordrhein-Westfalen“ für junge Künstler. Im Sommer 1973 stieg sie zur Direktorin des „Tanztheaters Wuppertal“ auf. Dort glückte ihr bereits im Frühjahr 1974 mit der Tanzversion der Oper „Iphigenie auf Tauris“ der große Durchbruch. Außerdem stellte sie 1974 Free-Jazz-Improvisationen und eine Choreographie für die Revue „Zwei Krawatten“ vor, hinzu kamen die tiefenpsychologische Etüde „Fritz“, die Choreographie „Adagio – Fünf Lieder“ und das Schlagerballett „Ich bring dich um die Ecke“.

1975 folgten die „Modern Dance“-Fassung der Oper „Orpheus und Eurydike“ und die drei Ballette „Frühlingsopfer“: Wind von West, Der zweite Frühling, Le Sacre du Printemps. 1976 brach Pina Bausch mit einem Brecht/Weill-Abend endgültig aus traditionellen Formen des Tanztheaters aus und wandte sich einer eindrucksvollen szenischen Tanzkunst in der Nähe des Sprechtheaters zu. In den folgenden Jahren waren ihre Stücke bei der Premiere oft noch nicht abgeschlossen und trugen keinen Titel.

Wuppertaler Theaterabonnenten empörten sich nicht selten über die von Montage und work-in-progress gekennzeichneten Choreographien, in denen Pina Bausch eine rigorose Abkehr vom klassischen Handlungsballett demonstrierte. Sie weigerte sich, Erklärungen zu ihren Aufführungen abzugeben und eindeutige Interpretationen zu ermöglichen.

Im Januar 1980 starb Pina Pauschs Lebensgefährte Rolf Borzik an Krebs. Danach ging sie eine neue Verbindung mit dem Deutsch-Chilenen Ronald Kay ein. Im September 1981 kam ihr Sohn Rolf Salomon zur Welt.

1982 spielte Pina Bausch in dem Film „E la nave va“ („Ein Schiff fährt davon“) des italienischen Regisseurs Federico Fellini (1920–1993) mit. Im selben Jahr wurde auch der Film „Was tun Pina Bausch und ihre Tänzer in Wuppertal?“ von Klaus Wildenhahn gedreht.

Im Juni 1984 nahm die Tanzgruppe von Pina Bausch an der Eröffnung des „Olympischen Kulturfestes“ in Los Angeles (Kalifornien) teil. Im gleichen Jahr erhielt sie den „Deutschen Kritikerpreis“ für die Entwicklung neuer ästhetischer Maßstäbe für das Ballett.

Ab Oktober 1985 übertrug man Pina Bausch die künstlerische Leitung des Studienbereiches Tanz an der „Folkwang-Hochschule“ Essen. Schon zu diesem Zeitpunkt galt ihr Ensemble als wichtigster Vertreter des bundesdeutschen Balletts im Ausland. 1986 überreichte ihr Bundespräsident Richard von Weizsäcker das „Bundesverdienstkreuz 1. Klasse“. Außerdem erschien damals das Buch „Pina Bausch. Tanztheatergeschichte“ von Raimund Hoghe mit Fotos von Ulli Wiess.

1989 sah man Pina Bausch in dem Kinofilm „Die Klage der Kaiserin“, der von L’Arche (Paris) in Zusammenarbeit mit den „Wuppertaler Bühnen“, dem „Zweiten Deutschen Fernsehen“ (Mainz), „Channel Four“ (London) und „La Sept“ (Paris) produziert wurde.

Zu den zahlreichen Auszeichnungen von Pina Bausch kamen 1990 fünf weitere hinzu: der Preis der „Internationalen Academia Medicea“ in Florenz „Lorenzo il Magnifico“, der „Premio Aurel Milloss“ im Rahmen des „Premio Gino Tani“, Rom, der „Preis des Zentrums Bundesrepublik Deutschland des Internationalen Theaterinstitus e. V.“ (ITI) zum „Welttheatertag 1990“, übergeben durch den Präsidenten August Everding (1928–1999), der „Premio „UBU“ Italien und der „NRW Staatspreis, überreicht durch den damaligen Ministerpräsidenten des Landes Nordrhein-Westfalen, Johannes Rau.

Unter den Ehrungen des Jahres 1991 ragt die Ernennung zum „Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres“ durch den französischen Kultusminister Jack Lang in Paris besonders heraus. 1992 erhielt sie den „Critic Awards“ für ihr Stück „Cafe Müller“ in Edinburgh, 1993 die Picasso-Medaille der „United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization“ (UNESCO) im Rahmen der Eröffnungsveranstaltung zum „25. Weltkongreß des Internationalen Theaterinstituts“ (ITI) in München.

1994 nahm Pina Bausch aus der Hand des portugiesischen Staatspräsidenten Mário Soares den „Cruz da Ordem Militat de Santiago de Espada“ entgegen. 1995 zeichnete man sie mit dem „Deutschen Tanzpreis“ des „Deutschen Berufsverbandes für Tanzpädagogik e. V.“ und dem „Joana Gorvin Preis“ der „Deutschen Akademie der Schönen Künste“ in Berlin aus.

1997 studierte Pina Bausch die Choreographie „Frühlingsopfer“ mit dem „Ballet de L’Opérea National de Paris“ ein. Ebenfalls 1997 erhielt sie den „Berliner Theaterpreis“, das „Große Verdienstkreuz mit Stern und Schulterband des Verdienstordens der Bundesrepublik Deutschland“ und den „Ehrenring der Stadt Wuppertal“. Außerdem sprach man ihr den Orden „Pour le mérite“ zu. 1998 gewann sie den „Bambi Kultur“. Insgesamt sind ihr von 1958 bis 1998 mehr als 30 Auszeichnungen verliehen worden.

1999 gehörte Pina Bausch zu den fünf Künstlern, die alljährlich von der „Japan Art Association“ für ihr Lebenswerk mit dem japanischen „Praemium Imperial“ geehrt werden. Die 1988 ins Leben gerufene Auszeichnung gilt als „Nobelpreis der Künste“. Im Juni 1999 verlieh man Pina Bausch für Lebenswerk den „Samuel H. Scripps American Dance Festival Award“.

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Ninette de Valois: Die Primaballerina aus Irland

2007-12-23T03:11:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Als eine der besten Tänzerinnen der Welt gilt die aus Irland stammende Künstlerin Ninette de Valois (1898-2001), geborene Edris Stannus. Sie verwirklichte ihren Traum von einem englischen Nationalballett mit angeschlossener Tanzakademie. Dort bot man jungen Tänzerinnen eine gründliche Ausbildung, frühzeitige Bühnenerfahrung und berufliche Sicherheit durch ein festes Ensemble.

Edris Stannus kam am 6. Juni 1898 als Tochter eines Offiziers in Baltiboys (Grafschaft Wicklow) zur Welt. Sie stammte aus einer Soldaten- und Seemannsfamilie. Ihr Vater Thomas Stannus wurde später Oberstleutnant. Die ersten prägenden Jahre ihrer Kindheit verbrachte sie zusammen mit drei Geschwistern in Irland. 1906 zogen die Eltern mit der achtjährigen Edris und den anderen Kindern nach England. Zunächst wohnte Edris bei ihrer Großmutter in Walmer bei Deal.

Nach dem spontanen Auftritt der sonst eher schüchternen Edris vor den Gästen einer Kindergesellschaft wurde ihre Mutter auf ihr tänzerisches Talent aufmerksam. Danach erhielt Edris regelmäßig Ballettunterricht. 1911 ging die Familie nach London, wo die 13-Jährige die Theaterschule „Lila Field Academy for Children“ besuchte.

Ab dem Alter von 14 Jahren trat Edris unter dem von ihrer Mutter erdachten Pseudonym „Ninette de Valois“ mit dem Ensemble ihrer Theaterschule zwei Jahre lang bei Tourneen in britischen Badeorten auf. Damals bezeichnete man sie bereits in Anlehnung an die große russische Tänzerin Anna Pawlowa (1881–1931) scherzhaft als „Miniatur-Pawlowa“. Einer ihrer Lehrer war der berühmte Tanzpädagoge Enrico Cecchetti (1850–1928).

Als 16-jähriger Teenager bekam Ninette ein Engagement am Londoner „Lyzeum-Theater“. Es folgten verschiedene Tourneen durch das ganze Land. 1918 stieg sie zur ersten Tänzerin der „British National Opera Company“ auf und im Sommer 1919 zur Primaballerina der „Covent Garden Opera“. Danach sah man sie unter anderem auch in mehreren amerikanischen Revuen wie „Laughing Eyes“, „Oh Julie“ und „Jazzaganza“.

1923 schloss sich Ninette de Valois in Monte Carlo (Monaco) dem berühmten „Ballets Russes“ des russischen Ballettdirektors Sergej Diaghilew (1872–1929) an, das von Mitgliedern des früheren Sankt Petersburger Balletts gegründet worden war. In dieser Truppe erhielt sie durch die Ballettmeisterin Bronislava Nijinska (1892–1972) entscheidende Impulse für ihre eigene choreographische Arbeit.

Im Jahre 1926 verließ Ninette de Valois das „Ballet Russes“ und eröffnete im Londoner Stadtteil Kensington die „Academy of Choreographic Art“ („Akademie für choreographische Kunst“). Diese bot außer Training für klassischen Tanz auch Kurse in Bühnenmalerei, Beleuchtung, Musik und Volkstanz an und verfügte sogar über eine Bibliothek. Gleichzeitig arbeitete Ninette an der irischen Ballettschule in Dublin und für die Cambridge-Festspiele.

1927 schloss sich Ninette de Valois mit Lilian Baylis (1874–1937), der Direktorin des „Old Vic Theaters“, die Stücke von William Shakespeare (1564–1616) und Opern zu niedrigen Preisen aufführte, zusammen. Ninette unterrichtete die Mitglieder der „Old Vic-Theaterschule“ in Bewegungslehre und studierte ein Ballett ein. Außerdem übernahm sie 1927 die choreographische Leitung am „Cambridge Festival Theatre“ und ging als Leiterin der Ballettschule und Choreographin zu William Butler Yeats (1865–1939) an die „Irische Ballettschule“ nach Dublin.

Die „Old Vic-Theaterschule“ wurde 1931 dem neueröffneten „Sadler’s Wells-Ballet“, der ersten ständigen englischen Ballettruppe, angegliedert und Ninette de Valois deren Direktorin. Auf Gastspielreisen durch die britische Provinz folgten bald Europa- und Welttourneen. Nebenher verfasste Ninette Artikel über ihre Ansichten einer Weiterentwicklung des britischen Balletts und hielt Vorträge.

Im Sommer 1935 heiratete Ninette de Valois den Arzt Dr. Arthur Connell. Ihren Mann vernachlässigte sie trotz ihrer starken Arbeitsbelastung und ihrer langen Auslandsaufenthalte nicht. An Wochenenden zog sie sich nach Berkshire zurück und kochte Sonntagsbraten. 1937 erschien ihr Buch „Invitation to the Ballet“.

Bei einer „kulturellen Propagandatour“ durch die neutralen Niederlande wurde Ninette de Valois von der Besetzung Hollands durch deutsche Soldaten überrascht. Sie musste ihre persönliche Habe und die Ausstattung für mehrere Ballette zurücklassen und floh auf abenteuerlichen Wegen von Den Haag an die Küste auf ein überfülltes Boot.

Das „Sadler’s Wells Ballet“ erhielt 1946 in der „Covent Garden Opera“ eine ständige Heimat, während am alten „Sadler’s Wells-Theater“ noch eine zweite Truppe gebildet wurde. 1947 erhob man Ninette de Valois in den britischen Adelsstand und 1951 ernannte man sie zur „Dame“. 1957 wurde ihre Autobiographie „Come Dance with Me“ veröffentlicht. Das Ensemble der „Covent Garden Opera“ hieß ab 1957 „Royal Ballet“ und wurde von Ninette geleitet. 1959 schlossen sich beide Ensembles als „The Royal Ballet at Covent Garden“ zusammen.

1963 trat Ninette de Valois als Direktorin des „Royal Ballet“ zurück, wurde jedoch Gouvernor (Präsidentin) sowohl des „Royal Ballet“ als auch der „Royal Ballet School“. Auf Wunsch der türkischen Regierung wirkte sie mehr als 20 Jahre lang beim Aufbau eines Nationalballetts mit. Dabei machte sie die Erfahrung, dass in der Türkei die Eltern dazu überredet werden müssen, dass auch Mädchen Tänzerinnen werden können.

Ninette de Valois starb am 8. März 2001 im biblischen Alter von 102 Jahren. Die Tageszeitung „Die Welt“ schrieb im Nachruf über die „Mutter des englischen Balletts“: „Sie war die Konstante in des Balletts sprichwörtlicher Erscheinungen Flucht, tatsächlich eine Jahrhundert-Figur“.

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Martha Graham: Die Pionierin des Modern Dance

2007-12-23T03:06:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Als „Gralshüterin des modernen Tanzes“ und „Pionierin des Modern Dance“ machte sich die amerikanische Tänzerin, Choreographin und Ballettdirektorin Martha Graham (1894–1991) verdient. Ihr strenger Tanzstil und ihre Tanztechnik, die auf der Harmonie von Atmung und Bewegung beruht, prägten den amerikanischen Kunsttanz entscheidend.

Martha Graham kam am 11. Mai 1894 als älteste von drei Töchtern einer Arztfamilie in Alleghene, einem Vorort der Kohle- und Stahlstadt Pittsburgh in Pennsylvania, zur Welt. In ihrer streng religiösen Familie hatte man an Tanz und Theater kein Interesse, beides galt für die Eltern als Sünde.

Zum Glück für die künstlerische Karriere Marthas zogen die Grahams nach Santa Barbara an die kalifornische Küste, wo das Leben freier, entspannter und fröhlicher war. Außerdem lag der neue Wohnort näher bei Los Angeles, wo sich die 1915 von der Tänzerin Ruth Saint-Denis (1877–1968) und ihrem Mann Ted Shawn (1881–1972) gegründete „Denishawn-School“ befand.

Nach dem Schulbesuch studierte Martha Graham ab 1916 an der „Denishawn-School“, der Wiege des neuen Tanzes in Amerika. Die Chancen für eine Karriere als Tänzerin standen für die übergewichtige 22-Jährige wegen ihres Alters nicht sehr gut, doch die robuste und kräftige Martha setzte sich durch.

1920 debütierte Martha Graham als Solistin in New York. Bis 1923 blieb sie – zunächst als Schülerin, später als Mitglied der „Denishawn Dancers“ – in Los Angeles, dann übersiedelte sie in den Osten der USA. Von 1924 bis 1926 lehrte sie an der „Eastman School of Music“ in Rochester im US-Bundesstaat New York.

Am 18. April 1926 feierte die von Martha Graham aus der Taufe gehobene Kompagnie „Martha Graham and Trio“ im „48th Street Theatre“ in Manhattan ihr Debüt. Das erste Programm umfasste bereits 18 Nummern, die alle von Martha Graham choreographiert wurden. 1927 gründete sie in New York die „Martha Graham School of Contemporary Dance“ („Martha-Graham-Schule für zeitgenössischen Tanz“).

1929 erweiterte Martha Graham ihr Trio zu einer größeren Truppe, die nur aus Frauen bestand. Für ihre Truppe choreographierte sie etwa 150 Werke („Dance plays“ genannt), in deren Mittelpunkt häufig starke, sich emanzipierende Frauen standen. 1938 entstand nach dem Eintritt einiger männlicher Tänzer die „Martha Graham Dance Company“.

1939 erschienen Martha Grahams Memoiren „An Unfinished Life“. 1941 wurde ihr als genial geltendes Ballett „Letter to the World“ uraufgeführt. Die Gastspielreise ihrer Kompagnie durch Europa von 1954 entwickelte sich zu einem Riesenerfolg.

Zu Martha Grahams berühmtesten Tanzwerken gehörten „Primitive mysteries“ (1931), „El Penitente“ (1940), das schon erwähnte „Letter to the World“, „Deaths and Entrances“ (1943), „Hérodiade“ (1944), „Cave ot the Hearth“ (1946), „Errand into the Maze“ (1947), „Appalachian Spring“ (1944), „Diversion of angels“ (1948), „Clytemnestra“ (1958), „The witch of Endor“ (1965), „A time of snow“ (1968), „Lucifer“ (1975), „Frescoes“ (1978), „Acts of light“ (1981), „Phaedra’s dream“ (1983) und „Sacre du printemps“ (1984). „Herodiade“ war die erste von Martha Grahams Neuinterpretationen antiker Mythen.

Martha Graham trat noch im Alter von 75 Jahren als Tänzerin auf. Danach beschränkte sie ihre Aktivitäten auf die Ausbildung des Nachwuchses und auf die Choreographie. In ihrer Schule gab sie Kurse, in denen auch Schauspielern – wie Bette Davis (1908–1989), Gregory Peck, Joanne Woodward, Woody Allen und Diane Keaton – die Bewegung beigebracht wurde. 1973 erschien ihr Buch „The notebook of Martha Graham“.

Am 2. April 1991 starb Martha Graham im Alter von 96 Jahren in New York.

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Bronislawa Nijinska: Eine Wegbegleiterin des Neoklassizismus im Ballett

2007-12-23T03:01:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Zu den bedeutendsten Choreographinnen Russlands gehörte die Ballettänzerin Bronislawa Nijinska (1892–1972). Sie war einer der gefeierten Stars beim renommierten „Ballets Russes“, choreographierte zahlreiche Stücke und gilt als eine der Wegbereiterinnen des Neoklassizismus im Ballett. Auch ihr Bruder Vaclav Nijinski (1889–1950) betätigte sich bahnbrechend als Choreograph, ehe er 1917 in geistige Umnachtung versank.

Bronislawa Nijinska kam am 8. Januar 1892 in Minsk (Weißrussland) zur Welt. Ihr Vater Foma Nijinski und ihre Mutter Eleonora Bereda waren Tänzer. Ab 1900 besuchten Bronislawa und ihr zwei Jahre älterer Bruder Vaclav die „Kaiserliche Ballettschule“ in Sankt Petersburg (Russland). 1908 wurde Bronislawa Tänzerin am „Marijinski-Theater“ („Marientheater“) in Sankt Petersburg.

1909 schloss sich Bronislawa Nijiniska dem berühmten „Ballets Russes“ in Paris an. Dort tanzte sie die Stücke „Carnaval“ und „Pétrouchka“, die Michael Fokine (1880–1942), der erste Choreograph dieser Truppe und Wegbereiter des modernen Balletts, geschaffen hatte. 1911 nahmen die Geschwister Bronislawa und Vaclaw ihren Abschied vom „Marijinski-Theater“ in Sankt Petersburg.

Im Jahre 1914 kreierte Bronislawa Nijinska in Petrograd für das Stück „La Tabatière“ ihre erste Choreographie. Danach eröffnete sie eine Tanzschule in Kiew (Ukraine).

1921 verließ Bronislawa Nijinska ihre russische Heimat und wurde erneut Mitglied des „Ballets Russes“. Sie arbeitete als erste Solistin und entwickelte sich zu einer der wichtigsten Choreographinnen der Truppe. Zu ihren bekanntesten Werken zählen „Renard“ (1922), „Les noces“ (1923, englisch: „The Wedding“), „Les Tentations de la bergère“ (1923), „Les Biches“ (1924), „Les Fâcheux“ (1924), „Le Train Bleu“ (1924, englisch: „Blue Train“) und „Romeo and Juliet“ (1926).

1928 und 1929 kreierte Bronislawa Nijinski die Stücke „Le Baiser de la Fèe“, „Boléro“ und „Aubade“ für die russische Tänzerin Ida Rubinstein (1885–1960). 1930/1931 arbeitete sie für die „Opera Russe de Paris“ und kreierte „Etudes choréographiques“ (1931). Danach gründete sie 1932 ihre eigene Truppe und schuf die Werke „Variations“ und „Hamlet“.

Ab 1937 leitete Bronislawa Nijinska das „Polish Balett“ in Paris und arbeitete für den Regisseur und Theaterleiter Max Reinhardt (1873–1943) und für die „Markova-Dolin company“. In jenem Jahr entstanden ihre Stücke „Concerto“, „Le Chant de la Terre“ und „La Légende de Cracovie“.

1938 wechselte Bronislawa Nijinska in die USA und eröffnete eine Tanzschule in Los Angeles (Kalifornien). Sie arbeitete für das „American Ballet Theatre“ und das „Ballets Russes“ in Monte Carlo (Monaco). 1945 wurde sie Ballettmeisterin des „Ballet du Marquis de Cuevas“ und schrieb „Les variations de Brahms“.

1964 überarbeitete Bronislawa Nijinska ihre Stücke „Les Noces“ und „Les Biches“ für das „Royal Ballet“ in London. Ab 1967 leitete sie das „Buffalo Ballet“. Am 21. Februar 1972 starb Bronislawa Nijinska im Alter von 80 Jahren in Los Angeles (Kalifornien).

Eine Berühmtheit in der Welt des Balletts war auch Vaclav Nijinski. Er feierte von 1908 bis 1911 als Ballettänzer am „Marientheater“ in Sankt Petersburg und später beim „Ballets Russes“ Triumphe, ehe ihn deren Direktor Sergej Diaghilew (1872–1929) entließ.

Vaclav Nijiniski (Foto unten), der bis 1917 auf der Bühne auftrat, bevor er geisteskrank wurde, hat man erst nach seinem Tod als wegweisenden Choreographen anerkannt. Bekannt sind vor allem seine Werke „L’Après-midi d’un faune“ (1912), „Jeux“ (1913) und „Le sacre du prtemps“ (1913). Er ist in der Ballettwelt berühmter als seine Schwester.

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Josephine Baker: Die "Schwarze Venus"

2007-12-21T23:18:00.000-08:00

Video: "Josephine Baker's Dance" bei Youtube

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Glanzvolle Auftritte in Paris als Chansonsängerin und Tänzerin feierte Mitte der 1920-er Jahre die aus den USA stammende dunkelhäutige französische Künstlerin Josephine Baker (1906–1975), geborene Freda McDonald. Die leichtbekleidete Frau war damals als „schwarze Venus“ in den „Folies Bergère“ und im „Casino de Paris“ die große Attraktion.

Freda McDonald kam am 3. Juni 1906 als Tochter des schwarzen Musikers Eddie Carson und der Wäscherin Carrie McDonald in Saint Louis (Missouri) zur Welt. Ihr Vater ließ sich zu Hause bei der Familie wenig sehen, ihre Mutter musste sich und die vier Kinder Josephine, Richard, Margaret und Willie Mae als Wäscherin ernähren.

Bereits mit acht Jahren stand Josephine auf einer Kabarettbühne im New Yorker Negerviertel Harlem. Zwischen acht und zehn Jahren besuchte sie keine Schule, weil sie in Küchen helfen, auf Babies aufpassen und andere Tätigkeiten verrichten musste. Danach lebte sie bei ihrer Großmutter in Philadelphia, wo sie auch zur Schule ging.

Im Juli 1917 musste Josephines Familie mitten in der Nacht im Ghetto vor dem erbosten weißen Mob fliehen, der vermutlich nach einem schwarzen Mann suchte, der eine weiße Frau vergewaltigt hatte. Während des Überfalls starben 39 Schwarze und neun Weiße.

Schon als Schülerin begeisterte sich Josephine Baker für das Theaterspielen und Tanzen. Bereits mit zwölf Jahren brach sie den Schulbesuch ab. Mit 13 wurde sie schwanger und schloss mit Willie Wells, dem Vater ihres Kindes, ihre erste Ehe.

1921/1922 traten Josephine Baker und ihr zweiter Mann Howard Baker mit der Wandertruppe „The Dixie Steppers“ auf. 1923 durfte sie in der Komödie „Shuffle Along“ in der New Yorker „Music Hall“ tanzen, wobei ihr Naturtalent auffiel. Später sah man sie in „Chocolate Dandies“ am Broadway und im New Yorker „Plantantion Club“. Am 15. September 1925 fuhr sie mit dem Schiff nach Frankreich.

Weltberühmt wurde Josephine Baker 1925 durch ihre Auftritte mit der Tanzgruppe „Black birds“ im Pariser „Théatre des Champs Elysées“ in „La Revue Nègre“. Ihre großen Erfolge in der französischen Hauptstadt basierten teilweise auf ihrer gewagten Kostümierung: Manchmal tanzte sie in den „Folies Bergère“ und im „Casino de Paris“ fast nackt, nur mit einem Rock aus Bananen bekleidet. Der französische Dichter, Maler, Komponist und Filmregisseur Jean Cocteau (1889–1963) schwärmte bei ihrem Anblick: „Dieses schöne Idol aus dunklem Stahl und Bronze, Ironie und Gold“.

Josephine Baker war maßgeblich am Siegeszug des Jazz beteiligt. Im Dezember 1926 gründete sie der Rue Pigalle von Paris ihren Nachtclub „Chez Josephine“. Von 1928 bis 1930 unternahm sie eine Welttournee durch 25 Länder. In den USA wurde sie häufig wegen ihrer dunklen Hautfarbe angegriffen. 1930 konnte ihr Manager Pepito Abatino sie dazu überreden, Sprech- und Gesangseinlagen ins Programm aufzunehmen.

1934/1935 trat Josephine Baker im „Théatre Marigny“ in der Operette „La Créole“ auf. 1936 kehrte sie mit Pepito Abatino in die USA zurück. Nach einem Streit reiste Pepito nach Frankreich, wo er an Krebs starb, bevor Josephine zurückkehrte.

1937 erhielt Josephine Baker die französische Staatsbürgerschaft. Auf der Leinwand konnte man sie in den Filmen „La Sirène des tropiques“ (1927), „Zou Zou“ (1934), „Princesse Tam-Tam“ (1935), „Fausse alerte“ (1940), „Moulin Rouge“ (1944) und „An jedem Finger zehn“ (1954) bewundern.

Zur Zeit des Zweiten Weltkrieges arbeitete Josephine Baker zunächst für das „Rote Kreuz“, dann für die französische Widerstandsbewegung („Résistance“) und später in Nordafrika als Leutnant der französischen Geheimpolizei. Nach Kriegsende trat sie wieder in den „Folies Bergére“ auf und gab weltweit Gastspiele. Nun war sie aber weniger Tänzerin als Diseuse und Chanonette.

Ab Ende der 1940-er Jahre baute Josephine Baker zusammen mit ihrem vierten Mann Jo Bouillon das mittelalterliche Schloss „Les Milandes“ in der Dordogne als Wallfahrtsort der Rassen- und Religionstoleranz aus. Doch dorthin kamen nur im ersten Jahr nach der Fertigstellung der Hotels, Restaurants und des Josephine-Museums genug Gäste.

Seit den 1950-er Jahren adoptierte Josephine Baker zwölf Kinder verschiedener Hautfarbe und Religion: Akio, Janot, Luis, Jari, Jean-Claude, Moise, Brahim, Marianne, Koffi, Mara, Noel und Stellina. Sie wurden bald als „Regenbogenkinder“ bekannt und in „Les Milandes“ aufgezogen. 1954 gründete Josephine den Menschenschutzverein „World cultural Association against racial and religious discrimination“.

Durch das Schloss „Les Milandes“ entstanden Josephine Baker immer höhere Schulden, das Anwesen musste im Mai 1968 versteigert werden. Im Herbst 1969 konnte Josephine mit finanzieller Unterstützung von Fürst Rainier von Monaco in Roquebrune Cap Martin bei Monaco eine Villa beziehen. Auch in den 1970-er Jahren trat sie noch verschiedentlich auf.

Josephine Baker heiratete fünf Mal. 1919 wurde sie – wie erwähnt – mit Willie Wells vermählt. 1920 ehelichte sie Howard Baker. Als dritter Ehemann folgte 1937 der Franzose Jean Lion, als vierter 1947 der Orchesterleiter Jo Bouillon (1908–1984) und als fünfter 1973 der amerikanische Künstler Robert Brady (1986–1986).

Im April 1975 erlebte die seit längerem herzleidende Künstlerin in Paris ein triumphales Comeback. Bei den anstrengenden zweimonatigen Probenarbeiten mutete sie sich jedoch offenbar zuviel zu und brach im Varieté-Theater „Bobino“ zusammen. Am 12. April 1975 erlag Josephine Baker nach einer Party, die zu Ihren Ehren gegeben wurde, im Alter von 68 Jahren in einem Pariser Krankenhaus einem Herzversagen. Als erste amerikanische Frau wurde sie in Frankreich mit militärischen Ehren bestattet.

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Video "Josephine Baker - avec" bei Youtube

Mary Wigman: Die moderne Ausdruckstänzerin

2007-12-21T23:14:00.000-08:00

Video "Mary Wigman's Witch Dance" von Youtube
http://www.youtube.com/watch?v=Tp-Z07Yc5oQ

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Eine der bedeutendsten Vertreterinnen des modernen Ausdruckstanzes war die deutsche Tänzerin und Choreographin Mary Wigman (1886–1973), geborene Marie Wiegmann. Sie wurde in den USA enthusiastisch als Schöpferin des „New German Dance“ gefeiert. In ihrer Tanzschule in Dresden und den Zweigschulen, unter anderem in Berlin, vervollkommneten talentierte Tänzer und Tänzerinnen ihre Kunst.

Marie Wiegmann erblickte am 13. November 1886 als Tochter eines Kaufmanns in Hannover das Licht der Welt. Von ihrem Geburtsnamen leitete sie später das Pseudonym „Mary Wigman“ ab. Nach dem Besuch einer höheren Töchterschule in Hannover absolvierte Marie als 14-Jährige zunächst Sprachkurse in einem englischen Mädchenpensionat und später in Lausanne (Schweiz). Sie betätigte sich schriftstellerisch und verfasste Sagen, Märchen, Geschichten und Theaterstücke.

Ihre ersten Tanzeindrücke verdankt Mary Wigman dem schweizerischen Musikpädagogen und Theorielehrer Émile Jaques-Dalcroze (1865–1950) sowie der österreichischen Tänzerin und Choreographin Grete Wiesenthal (1885–1970). Letztere entwickelte zusammen mit ihren Schwestern Elsa und Bertha einen unklassischen, durch eine besondere Schwungtechnik gekennzeichneten Tanzstil, mit dem sie ab 1907 alleine auftrat.

Gegen den Willen ihrer Eltern nahm Mary Wigman 1911 bei Émile Jaques-Dalcroze an der „Schule für Rhythmische Gymnastik“ in Hellerau bei Dresden Unterricht. Dort machte sie der Maler Emil Nolde (1867–1956) auf den Tanzpädagogen und -theoretiker Rudolf von Laban (1879–1958) aufmerksam, der damals mit seinen Schülern in Ascona im schweizerischen Kanton Tessin lebte. 1913 trat sie in Labans „Schule für Kunst“ ein, ihn bezeichnete sie später als ihren wichtigsten Lehrer.

Mary verbrachte die Sommer 1913 und 1914 bei Laban und anderen deutschen Schülern auf dem berühmten Monte Verita bei Ascona. Nach Ausbruch des Ersten Weltkrieges im August 1914 blieben Rudolf von Laban und Mary Wigman in der Schweiz. Mary unterrichtete als Assistentin Labans abwechselnd in Zürich und Ascona.

Bereits bei ihrem ersten Auftreten als Solistin (1914) prägte Mary Wigman einen völlig neuen Stil, den sie selbst als „absoluten Tanz“ bezeichnete. 1920 gründete sie in der Bautzner Straße 107 in Dresden eine eigene Tanzschule, die sich zu einem Zentrum des modernen Ausdruckstanzes entwickelte. Zeitweise kamen in Dresden mehrere hundert Schüler zu ihr. Mit ihren Gastspielreisen als Solotänzerin und mit ihrer Truppe durch Deutschland, Europa und Amerika verhalf sie der modernen Tanzkunst zum Durchbruch.

Zu Mary Wigmans Tanzschule in Dresden gesellten sich weitere unter anderem in München und Berlin. In ihrer Schule verfeinerten Harald Kreutzberg (1902–1968), Gret Palucca (1902–1993), Yvonne Georgi (1903–1975) und Dore Hoyer (1911–1967) ihre Tanzkünste.

Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten in Deutschland 1933 hatte Mary Wigman als Vertreterin „artfremder Kunst“ ab 1934 berufliche Schwierigkeiten. Nur ihre Beziehung zu Hanns Benkert (1899–1948), der in einem für die Rüstung wichtigen Industriebetrieb eine leitende Position hatte, schützte sie vor noch gravierenderen Repressionen. Als ihr Geliebter sie verließ, wurde ab 1941 verstärkt politischer und psychologischer Druck auf sie ausgeübt. Ihr Widerstandsgeist erlahmte und sie verkaufte ihre Tanzschule an die Stadt Dresden.

Erst nach Ende des Zweiten Weltkrieges konnte Mary Wigman in Leipzig wieder eine Tanzschule führen. Auf dem Spielplan der Leipziger Oper für 1946/1947 stand als besonderes Ereignis die Aufführung der Oper „Orpheus und Eurydike“ des deutschen Komponisten Christoph Willibald Gluck (1714–1787) in einer Inszenierung von Mary Wigman. Fortan trat sie wiederholt als Gastregisseurin an bedeutenden Bühnen hervor.

1949 wechselte Mary Wigman nach West-Berlin, wo sie Ende Juli jenes Jahres zusammen mit Marianne Vogelsang (1912–1973) im Stadtteil Dahlem das „Tanzstudio Mary Wigman“ eröffnete, dem ein tanzpädagogisches Seminar angegliedert war. 1957 zeichnete man Mary Wigman mit dem „Großen Bundesverdienstkreuz“ aus.

Publikum und Presse waren von Mary Wigmans Inszenierungen im „Mannheimer Nationaltheater“ (1954), bei den „Berliner Festwochen“ (1957), bei der „Frankfurter Tanzwoche“ (1961) und bei den „Ruhrfestspielen“ in Recklinghausen (Anfang der 1960-er Jahre) hellauf begeistert. Auch in Amerika hatte sie großen Erfolg. In New York entstand 1931 unter der Leitung von Hanya Holm (1893–1962) eine Wigman-Schule, von der starke Impulse auf den amerikanischen Kunsttanz ausgingen.

Unter Mary Wigmans eigenen Tanzschöpfungen gelten die Solowerke „Hexentanz“, „Schwingende Landschaft“, „Herbstliche Tänze“ und „Opfer“ als die bekanntesten. Zu ihren wichtigsten Gruppentanzwerken gehören „Totentanz“, „Die Feier“, „Frauentänze“, „Chorische Studien“, „Sieben Tänze des Lebens“ (Sehnsucht, Liebe, Lust, Leid, Dämon, Tod, Leben) und „Tanzmärchen“. Im Jahre 1963 erschien ihr Buch „Sprache des Tanzes“.

Nach ihrem 80. Geburtstag im Jahre 1966 gab Mary Wigmann wegen zunehmender Gebrechlichkeit ihre Tanzschule in Berlin-Dahlem auf. Am 18. September 1973 starb sie im Alter von 86 Jahren in West-Berlin. An die berühmte Tänzerin und Choreographin erinnern eine Büste im „Kleinen Haus“ und eine Gedenktafel am Haus Bautzner Straße 107 in Dresden sowie die „Mary-Wigmann-Gesellschaft e. V.“ in Köln.

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Carlotta Grisi: Die Primaballerina der Romantik

2007-12-21T23:12:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst bei:

Zu den drei bedeutendsten Primaballerinen der Romantik zählt die italienische Tänzerin Carlotta Grisi (1819–1899). Ihre größten Konkurrentinnen auf der Bühne waren die Österreicherin Fanny Elßler (1810–1884) und die Italienerin Marie Taglioni (1804–1884). Die Grisi tanzte als erste die Titelrolle in „Giselle ou les Willis“, einem der bedeutendsten Ballettwerke der Hochromantik.

Carlotta Grisi kam am 28. Juni 1819 in Visinada bei Mantua (Istrien) zur Welt. Bereits im Alter von sieben Jahren besuchte sie die Ballettschule der Mailänder „Scala“. Schon mit zehn Jahren tanzte sie als Solistin der Kindergruppe der Mailänder „Scala“. In der Folgezeit ging sie auf Tourneen und trat unter anderem in Venedig, Florenz, Rom und Neapel auf.

1834 begegnete die 15-jährige Carlotta Grisi dem 24 Jahre alten französischen Ballettmeister und Tänzer Jules Perrot (1810–1892), der sie als seine Schülerin unterrichtete. 1839 trat Carlotta am „Her Majesty’s Theatre“ in London auf. Anschließend gab sie Gastspiele in Wien und München sowie in Mailand und Neapel.

Obwohl Carlotta Grisi die Geliebte von Jules Perrot wurde und sich zeitweise „Madame Perrot“ nannte, waren die beiden nie verheiratet. Perrot blieb auch dem Ende der Beziehung weiterhin Carlottas väterlicher Beschützer. Er choreographierte für sie zahlreiche Ballette, darunter die Werke „Giselle ou les Wilis“ („Giselle oder die Wilis“, 1841) und „La Péri“ (1843).

„Giselle ou les Wilis“ basiert auf einer Erzählung des deutschen Dichters Heinrich Heine (1797–1856). Die Uraufführung mit der Musik des französischen Komponisten Adolphe Adam (1803–1856) vom 28. Juni 1841 am „Théâtre de’l Academie Royale de Musique“ in Paris galt als tänzerische Sensation. Bei diesem Auftritt war Lucien Petipa (1815–1898) Carlotta Grisis männlicher Partner.

„Giselle ou les Wilis“ gehört neben „La Sylphide“ (1832) des italienischen Tänzers und Choreographen Filippo Taglioni (1777–1871) zu den anspruchsvollsten Ballettwerken der Welt. Die Titelrolle stellt für jede Ballerina eine der begehrenswertesten Rollen überhaupt dar.

Dem Romantiker Heinrich Heine schwebte eine slawische Legende vor, über die er schrieb: „In einem mitternächtlichen Tanz vereinigen sich jene Bräute, die sterben mussten, ehe sie zur Hochzeit gingen, und die nun im Tode keine Ruhe finden können. Man nennt sie die Wilis. Ihre Herzen schlagen nicht mehr, dafür sind aber ihre Füße mit einer Tanzsucht erfüllt. Sie treiben junge Männer tanzend in den Tod“.

Im ersten Akt des Ballettwerkes „Giselle ou les Wilis“ findet Albrecht Herzog von Schlesien in Giselle, der Tochter der Bäuerin Bertha, die Erfüllung seiner Liebesträume. Giselle erwidert seine Liebe, wähnt sich aber schon bald von Albrecht betrogen und ersticht sich im Wahn mit dessen Degen. Im zweiten Akt weint Albrecht am Grab seiner Geliebten, die ihm plötzlich als eine der Wilis erscheint. Myrtha, die Königin der Wilis, befiehlt Giselle, ihrem Geliebten beim Todestanz das Leben zu nehmen.

In der ursprünglichen Fassung des Balletts wird Albrecht durch die Liebe Giselles gerettet. Sie kann den Todestanz bis zum Sonnenaufgang durch ihre Liebe verzögern. Dagegen findet er in einigen späteren Fassungen den Tod.

Während der 1840-er Jahre machte Carlotta Grisi die Bekanntschaft des französischen Schriftstellers Théophile Gautier (1811–1872), für den sie die große, unerfüllte Liebe war. Carlotta zog ihm ihren Tanzpartner Lucien Petipa vor.

1842 trat Carlotta Grisi wieder in London auf, wohin sie jedes Jahr zurückkehrte. Als besonderes Ereignis für Ballettfreunde galt das von Jules Perrot choreographierte und am 12. Juli 1845 im „Her Majesty’s Theatre“ in London aufgeführte Divertissement „Pa de quatre“. Denn dabei tanzten die damals rivalisierenden berühmten Ballerinen Carlotta Grisi, Marie Taglioni sowie die Dänin Lucille Grahn (1819–1907) und die Italienerin Fanny Cerrito (1817–1909) im selben Stück. Die vier konnten von Perrot nur mit großer Mühe zu diesem Auftritt bewogen werden. Einer Anekdote zufolge, wollte jede der vier Ballerinen zuerst auf die Bühne kommen. Der Streit konnte erst beigelegt werden, als der Direktor vorschlug, der Ältesten den Vortritt zu lassen.

Am 16. Februar 1848 tanzte Carlotta Grisi in der Uraufführung des Balletts „Griseldis“ in Paris. Nach Gastspielen in Brüssel und Berlin trat sie am 8. Oktober 1850 zum ersten Mal im „Marijinski-Theater“ („Marientheater“) in Sankt Petersburg (Russland) auf. Dort sah man sie zusammen mit Jules Perrot auch in den nächsten zwei Jahren auf der Bühne. Das „Marijinski-Theater“ wurde zur Zarenzeit auch „Le Théatre Marie“ genannt, heute heißt es „Kirow-Theater“.

Im Alter von 33 Jahren nahm Carlotta Grisi am 3. März 1853 in Szenen des Balletts „Gaselda“ – mit der Musik von Cesare Pugni (1805–1870) Abschied von der Bühne. Anschließend zog sie sich auf das ihr von dem polnischen Prinzen Radziwill geschenkte Landgut Saint-Jean bei Genf zurück. Dort starb sie mit 79 am 20. Mai 1899.

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Maria Taglioni: Die Meisterin des Spitzentanzes

2007-12-21T23:04:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst bei:

Zu den wenigen Ballerinen, die einen Ballettstil prägten, gehört die italienisch-französische Tänzerin Marie Taglioni die Ältere (1804–1884). Gemütsbewegungen drückte sie nicht durch die Mimik, sondern vor allem durch die Art ihrer Bewegungen aus. Um 1830 entwickelte sie sich zur ersten Meisterin des Spitzentanzes, den der italienische Tänzer und Choreograph Carlo Blasis (1795–1878) erfunden hatte. Sie konnte tatsächlich auf der Spitze tanzen und sich nicht nur hin und wieder darauf erheben.

Marie Taglioni kam am 23. April 1804 in der schwedischen Hauptstadt Stockholm zur Welt. Ihr Vater war der italienische Tänzer und Choreograph Filippo Taglioni (1777–1871), der von 1803 bis 1805 als Ballettmeister an der königlichen Oper in Stockholm arbeitete. Ihm schreibt man die Einführung des romantischen Ballettstils zu.

Die erste Ausbildung als Tänzerin erhielt Marie von ihrem Vater in Wien und in Kassel. Ab ihrem achten Lebensjahr gab ihr Jean-François Coulon (1764–1836), einer der bedeutendsten damaligen Ballettlehrer, in Paris Unterricht. Am 10. Juni 1822 feierte die 18-jährige Marie im „Wiener Hoftheater“ am Kärntnertor in dem Ballett ihres Vaters „Empfang einer jungen Nymphe am Hofe Terpsichorens“ ihr Debüt.

Auf das Engagement Marie Taglionis in Wien von 1822 bis 1826 folgten Gastspiele – vor allem mit ihrem Bruder Paul Taglioni (1808–1884) – in Stuttgart, München und an der Mailänder „Scala“. Zusammen mit ihrem Bruder trat sie am 23. April 1827 in „Vestalina“ des italienischen Komponisten Gaspare Spontini (1774—1851) und in „Die Netze des Vulkan“ des französischen Komponisten Jean Schneitzhoeffer (1785–1852) in Paris auf und hatte damit sensationelle Erfolge.

Marie Taglioni verkörperte viele Rollen in den von ihrem Vater choreographierten Balletten. 1829 beispielsweise sah man sie in „La belle au bois dormant“ und 1830 in „Le dieu et la bayadère“ von Filippo Taglioni. Ab 1830 wurde Marie Taglioni die Partnerin des französischen Tänzers, Choreographen und Ballettmeisters Jules Perrot (1810–1892), mit dem sie zum ersten Mal in dem Ballett „Zephyr und Flora“ auf der Bühne stand. 1831 trat sie in dem Ballett „Robert le diable“ ihres Vater auf.

Am 12. März 1832 tanzte Marie Taglioni in der Uraufführung des Balletts „La Sylphide“, das ihr Vater für sie choreographiert hatte, im „Théâtre de l’Academie Royale de Musique“ in Paris. Das Libretto ist nach der phantastischen Erzählung „Trilby“ des französischen Schriftstellers Charles Nodier (1780–1844) verfasst. „La Sylphide“ gilt als der Beginn des romantischen Balletts und diente als Vorbild für die meisten romantischen Ballette von „Giselle ou les Wilis“ bis „Schwanensee“.

Ebenfalls 1832 heiratete Marie Taglioni den italienischen Grafen Gilbert de Voisins. Die unglückliche Ehe mit dem Adligen wurde 1834 geschieden. Aus dieser Verbindung stammt ein Sohn.

Von 1837 bis 1842 waren Filippo und Marie Taglioni jeweils sechs Monate im Jahr in der russischen Hauptstadt Sankt Petersburg verpflichtet. Maries dortiges Debüt in dem Ballett „Sylphide“ wurde ein beispielloser Erfolg. Außerdem tanzte sie in Berlin, Wien, Mailand und London, wo sie seit 1831 häufig gastierte.

Neben der Österreicherin Fanny Elßler (1810–1884,) und der Italienerin Carlotta Grisi (1819–1899) gilt Marie Taglioni als eine der drei bedeutendsten Primaballerinen der Romantik. Der französische Dichter und Kritiker Theophile Gautier (1811–1872) bezeichnete Marie Taglioni als „christliche Ballerina„ und „Fanny Elßler als „heidnische Ballerina“. Es hieß auch, die Taglioni habe geglüht und die Elßler geglänzt.

1847 zog sich Marie Taglioni von der Bühne zurück, ging aber 1858 als Tanzlehrerin nach Paris und wurde 1860 zur Ballettmeisterin an der Pariser Oper ernannt. Durch den Krieg 1870/1871 wurde sie aus Frankreich vertrieben. Da sie während der Zeit ihrer großen Erfolge als Tänzerin keine Reichtümer hatte anhäufen können, setzte sie ihre Lehrtätigkeit in London und im Seebad Brighton fort. Dort gab sie jungen Mädchen der englischen Gesellschaft Tanzunterricht.

Marie Taglioni die Ältere starb einen Tag vor ihrem 80. Geburtstag am 22. April 1884 bei ihrem Sohn in Marseille (Frankreich). Die Tochter ihres Bruders Paolo, Marie Taglioni die Jüngere (1833–1891), machte sich als Charaktertänzerin in London, Wien und Berlin einen Namen.

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Anna Pawlowa: Mit dem "Sterbenden Schwan" zu Weltruhm

2007-12-21T22:59:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Als beste russische Ballett-Tänzerin gilt Anna Pawlowa (1881–1931), eigentlich Anna Matwejewna Pawlowa. Zu Weltruhm gelangte sie mit dem dreiminütigen Solo „Der sterbende Schwan“, der später von vielen anderen großen Tänzerinnen getanzt wurde. Der Erfolg der Pawlowa beruhte auf ihrer besonderen Grazie und ihrer ausdrucksvollen Gestaltungskraft, die das Publikum in ihren Bann zog.

Anna Pawlowa kam am 12. Februar 1881 in Sankt Petersburg (Russland) zur Welt. Ihre Mutter war die Waschfrau Ljubov Fjodorova Pawlowa, ihr Vater vielleicht der jüdische Bankier Lazar Poliakoff. Der Reservesoldat Matwej Pawlow, den ihre Mutter heiratete, ist nur ihr Stiefvater gewesen.

Die junge Anna trug nicht – was korrekt gewesen wäre – den Namen „Anna Matwejewna Pawlowa“, sondern nannte sich „Anna Pawlowna Pawlowa“. Letzterer Name erinnerte an einen mysteriösen „Pawel“, den Anna irrtümlich für den ersten Mann ihrer Mutter hielt und der angeblich gestorben sein soll, als sie erst zwei Jahre alt war.

Bereits in jungen Jahren träumte Anna von einer Zukunft als Tänzerin. Ihre Mutter schickte sie mit acht Jahren auf die „Kaiserliche Ballettschule“ in Sankt Petersburg, wo sie bald die Aufmerksamkeit ihrer Lehrer Pavel Gerdt (1844–1917) und Ekaterina Vazem (1848–1937) sowie des französischen Ballettmeisters Marius Petipa (1818–1910) am „Marijinski-Theater“ („Marientheater“) erregte. Seit ihren Schultagen wurde sie von dem Adligen Victor Dandré (1870–1944) gefördert.

Nach der erfolgreichen Abschlussprüfung an der „Kaiserlichen Ballettschule 1899 trat Anna Pawlowa in das „Kaiserliche Ballett“ am „Marientheater“ in Sankt Petersburg ein. Am 19. September 1899 feierte sie in „La Fille Male Gardée“ ihr Debüt. Schon während der Saison 1901/1902 erwarb sie sich einen guten Ruf. 1906 stieg die 23-Jährige zur Primaballerina des „Marientheaters“ auf.

Im Mai 1907 ging Anna Pawlowa auf die erste Tournee mit einer kleinen Truppe, die von dem russischen Tänzer und Choreographen Michel Fokine (1880–1942) geleitet wurde. Im selben Jahr choreographierte Fokine für Anna das Solo „Der sterbende Schwan“, das am 22. Dezember 1907 bei einer Wohltätigkeitsveranstaltung in Sankt Petersburg uraufgeführt wurde. Mit diesem Solo war fortan der Name von Anna Pawlowna verknüpft. Die Musik hierzu schrieb der französische Komponist Charles-Camille Saint-Saëns (1835–1921).

Einflussreiche Freunde Anna Pawlowas überredeten 1908 die Leitung des „Marientheaters“ dazu, dieser eine Tournee nach Helsinki, Stockholm, Kopenhagen, Prag, Dresden, Leipzig und Berlin zu erlauben. Der Erfolg dabei war überwältigend und wiederholte sich im darauf folgenden Jahr.

Nach ihrer Tournee von 1909 verließ Anna Pawlowa das „Marientheater“ in Sankt Petersburg, reiste nach Paris und schloss sich dem „Ballets Russes“ an, wo sie bis 1911 als Solistin und Partnerin des russischen Tänzers und Choreographen Vaclav Nijinski (1890–1950), der 1919 in geistige Umnachtung fiel, arbeitete.

Das „Ballets Russes“ wurde von dem russischen Theaterschaffenden Sergej Diaghilew (1872–1929) gegründet, kam 1909 nach Paris und leitete mit Aufsehen erregenden Inszenierungen – wie „Les Sylphides“, „Feuervogel“, „Daphne und Cloe“ – eine Renaissance des klassischen Balletts ein. Die Bühnenbilder für das „Ballets Russes“ sind von den Malern Pablo Picasso (1881–1973) und Henri Matisse (1869–1954) entworfen worden. Die Musik stammt von den Komponisten Joseph Maurice Ravel (1875–1937), Claude Debussy (1862–1918), Eric Satie (1866–1925), Igor Strawinski (1882–1971) und Sergej Sergejewitsch Prokofjew (1891–1953).

Die triumphalen Erfolge des „Ballets Russes“ erregten auch in London und in den USA großes Aufsehen. In der britischen Hauptstadt tanzte Anna Pawlowa sogar vor dem König und seiner Gemahlin. 1910 schloss die 28-jährige Tänzerin einen Vertrag mit dem „Marientheater“ in Sankt Petersburg. 1909/1911 unternahm sie eine Tournee nach Großbritannien und in die USA.

Zu jener Zeit gab es in Sankt Petersburg einen Skandal: Victor Dandré, der Gönner von Anna Pawlowa, wurde beschuldigt, Regierungsgelder unterschlagen zu haben. Nach Annas Rückkehr kam Dandré zwar frei, durfte aber die Stadt nicht verlassen. Einige Wochen später, als Anna wieder in London auftrat, flüchtete Dandré 1912 aus Russland zu ihr.

Man weiß nicht, ob Anna Pawlowa in die Unterschlagungen Dandrés verwickelt war oder ob sie nur zu ihrem alten Geliebten und Gönner hielt. Womöglich war Dandré regelrecht vernarrt in Anna, während diese ihn lediglich als ihren Schirmherrn schätzte. Wie dem auch sei, Anna hielt zu ihm und blieb in Großbritannien. 1914 sollen Anna und Dandré geheiratet haben, was beide jedoch jahrelang geheim hielten.

Anna Pawlowa und Dandré mieteten im Londoner Stadtteil Hampstead ein Haus in der „The North End Road“, das sie später kauften und das „Ivy House“ („Efeu-Haus“) hieß. Die Pawlowa gründete eine eigene Truppe, ging mit dieser auf Welttournee und gastierte teilweise in Städten, die noch nie zuvor klassisches Ballett gesehen hatten. Millionen von Menschen sahen ihre Auftritte, und sie erwarb sich den Status eines Superstars. 1928 erschien unter dem Namen von Anna Pawlowa das Buch „Tanzende Füße. Der Weg meines Lebens“, das sie als Fälschung betrachtete.

Nach zwei Jahrzehnten, in denen sie fast ständig unterwegs war, fühlte sich Anna Pawlowa wie ausgebrannt. Im Januar 1931 verunglückte der Zug, mit dem die Kranke von Cannes nach Paris fuhr. Die Pawlowa blieb dabei zwar unverletzt, erkältete sich aber stark während der zwölf Stunden, in denen die Wagen ungeheizt blieben.

Bei der kurz danach gestarteten Abschiedstournee in den Niederlanden litt Anna Pawlowa an einer schweren Lungenentzündung. Die begnadete Tänzerin starb in den frühen Morgenstunden des 23. Januar 1931 im Alter von nur 49 Jahren in einem Zimmer des „Hôtel des Indes“ in Den Haag. Die Urne mit ihrer Asche wurde auf dem Friedhof „Golders Green Cemetery“ nahe ihres geliebten „Ivy House“ bestattet.

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Fanny Elßler: Österreichs begnadete Tänzerin

2007-12-20T23:43:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Zu den berühmtesten Tänzerinnen des 19. Jahrhunderts zählte die österreichische Künstlerin Fanny Elßler (1810–1884), eigentlich Franziska Elßler. Sie und die italienische Tänzerin Carlotta Grisi (1819–1899) sowie die schwedisch-italienische Tänzerin Marie Taglioni (1804–1884) gelten als die drei bedeutendsten Primaballerinen der Romantik.

Franziska („Fanny“) Elßler kam am 23. Juni 1810 in Gumpendorf bei Wien zur Welt. Ihr Vater Florian Elßler verdingte sich vor ihrer Geburt aus Not sogar aushilfsweise als Scharfrichter. Er lief aber davon, als er dem ersten zum Tod Verurteilten die Schlinge um den Hals knüpfen sollte, ohne jemals sein grausiges Amt ausgeübt zu haben.

Später wurde Florian Elßler Kammerdiener und Notenkopist des österreichischen Komponisten Joseph Haydn (1732–1809), in dessen Hofkapelle schon Florians Vater als Geiger gespielt hatte. Nach Haydns Tod geriet die Familie Elßler in finanzielle Schwierigkeiten. Fannys Mutter musste als Waschfrau zum Lebensunterhalt beitragen.

Bereits im Alter von sieben Jahren traten Fanny und ihre zwei Jahre ältere Schwester Therese Elßler (1808–1878) in die Ballettschule des „Wiener Hoftheaters“ am Kärntnertor ein. Fanny war temperamentvoll, Therese still, beherrscht und fast ein wenig scheu. Beide studierten bei dem französischen Ballettmeister Jean Aumer (1774–1833).

Fanny Elßler war erst 14 Jahre alt, als der Direktor des „Teatro San Carlo di Napoli“ (Italien), Domenico Barbaja (1778–1841), sie und ihre 16-jährige Schwester engagierte. In Neapel arbeitete Fanny von 1824 bis 1826 und verbesserte dabei ihre Technik. Während dieser Zeit wurde sie die Geliebte Leopolds Prinz von Salerno (1790–1851), bekam mit 17 Jahren ein Kind und steckte dieses in ein Pflegeheim, damit sie sich weiter der Kunst widmen konnte.

Die beispiellosen Erfolge von Fanny und Therese Elßler begannen 1830 in der preußischen Hauptstadt Berlin, die bereits damals als bedeutendes Kulturzentrum galt. Dorthin hatte ein hochgestellter Verehrer der 19-jährigen Fanny, der 65 Jahre alte deutsche Intellektuelle Frederick von Gentz (1764–1832), ein Engagement vermittelt.

Als 23-Jährige brachte Fanny Elßler ihr zweites Kind zur Welt, das sie nach ihrer Schwester Therese benannte. Harriet Grote, die Frau eines britischen Parlamentsmitglieds, zog die kleine Therese auf und führte sie später in die höhere Gesellschaft Großbritanniens ein.

Durch ihre Auftritte in London erregte Fanny Elßler weltweit Aufsehen. Auch der Direktor der Pariser Oper, Dr. Louis-Désiré Véron (1798–1867), wurde auf sie aufmerksam und holte sie in die französische Hauptstadt, wo sie die Konkurrentin der schwedisch-italienischen Tänzerin Marie Taglioni wurde. Bevor Fanny in Paris ihr erfolgreiches Debüt gab, trainierte sie drei Wochen lang hart mit dem Tänzer Auguste Vestris (1760–1842).

1834 heiratete Fanny Elßler den Publizisten, Politiker und Operndirekor Dr. Louis-Désiré Véron. 1836 präsentierte sie in Paris als erste den spanischen Solotanz Cachucha im Dreivierteltakt mit Kastagnettenbegleitung. Der französische Dichter und Kritiker Theophile Gautier (1811–1872) schrieb darüber: „Sie wagt, was vor ihr von keiner Tänzerin gewagt worden ist: als erste bringt sie die Cachucha, fast ohne ihr das natürliche Aroma zu nehmen, auf die prüde Opernbühne“. Später eroberte Fanny mit den feurigen Nationaltänzen Polka aus der Tschechoslowakei und Krakowiak aus Polen die Bühne.

Fanny Elßlers Konkurrentin Marie Taglioni wurde 1838 klar, dass sie an der Pariser Oper nicht mehr der einzige Star war. Sie schloss einen lukrativen Vertrag mit dem kaiserlichen Ballett in Sankt Petersburg (Russland) und verließ Paris. Dadurch stieg Fanny Elßler zum alleinigen Star der Pariser Oper auf. Für sie choreographierte der italienische Tänzer und Choreograph Jean Coralli (1779–1854) das Stück „Le Diable Boiteux“ und der französische Tänzer, Choreograph und Ballettmeister Joseph Mazilier (1801–1868) „La Gypsy“.

Auf dem Höhepunkt ihrer Karriere unternahm Fanny Elßler 1840 eine Tournee durch die USA. Zu ihren Ehren gab der Kapitän des Passagierschiffes „The Great Western“ eine Dinner Party, wobei Fanny den Fehler beging, alle ihre kostbaren Juwelen zu tragen. Später wurde sie in ihrer Kabine von einem mit einem Messer bewaffneten Seemann attackiert, der sie ausrauben wollte. Fanny trat ihn mit solcher Kraft, dass der Angreifer drei Tage später starb.

In Washington, D. C., wurde Fanny Elßler von dem amerikanischen Präsidenten Martin van Buren (1782–1862) in einer offiziellen Audienz empfangen. Der US-Kongress musste jeden Abend, an dem Fanny tanzte, seine Sitzung verschieben, weil die meisten seiner Mitglieder die Vorstellung sehen wollten und deswegen keine Beschlüsse mehr gefasst werden konnten. Bei einem Bankett tranken Kongressmitglieder aus Fannys Ballettschuhen. Der Sohn des Präsidenten wurde ihr ständiger Begleiter.

Wenn Fanny Elßler zu ihren Auftritten im „New York’s Park Theatre“ fuhr, spannten Fans die Pferde von ihrer Kutsche ab und zogen sie eigenhändig durch die Straßen der Stadt. Dies wurde bald an jedem Abend zur Tradition. In West Point musste Fanny jedesmal erst vor ihren Wächtern auftreten, bevor diese sie zur Vorstellung begleiteten.

Die Amerika-Tournee brachte Therese Elßler finanziell so viel ein, dass sie ihren von der Pariser Oper gewährten Urlaub um mehr als ein Jahr überziehen und dafür eine entsprechende Konventionalstrafe bezahlen konnte. Nach zweijährigem Aufenthalt in den USA trat Fanny 1842 in Boston Harbor die Rückreise nach Europa an. Dort kam eine riesige Menschenmenge an den Pier, um die Tänzerin zu verabschieden.

Nach der Rückkehr in Europa warf die Pariser Oper Fanny Elßler die Verletzung ihres Vertrages vor und kündigte ihr. Dies kümmerte die Tänzerin wenig, weil sie in der Folgezeit zahlreiche Gastspiele in anderen Ländern gab. Ab 1848 tanzte die 38-jährige Fanny in Russland, wo sie innerhalb von zwei Jahren ingesamt 103 Vorstellungen gab, ehe sie nach Westeuropa zurückkehrte.

Im Juni 1851 gab Fanny Elßler mit dem Stück „Faust“ des französischen Tänzers und Ballettmeisters Jules Perrot (1810–1892) in Wien ihre letzte Vorstellung. Danach zog sie sich – noch auf voller Höhe ihres tänzerischen Könnens – ins Privatleben zurück, lebte mit ihrer Tochter Therese zunächst in Hamburg und ab 1855 wieder in Wien.

Fannys auf der Bühne nicht ganz so erfolgreiche Schwester Therese heiratete 1857 den Prinzen Adalbert von Preußen (1811–1873) und wurde zur „Freifrau von Barnim“ geadelt. Thereses einziger Sohn starb als Jüngling während einer Afrikareise.

Die wohlhabende Fanny Elßler starb am 27. November 1884 im Alter von 74 Jahren in Wien. Zur Erinnerung an die legendäre Tänzerin ist das 1988 am Galgenberg von Stratzing bei Krems entdeckte früheste Kunstwerk Österreichs von der Ausgräberin Christine Neugebauer-Maresch als „Fanny – die tanzende Venus von Galgenberg“ bezeichnet worden. Dabei handelt es sich um eine 7,2 Zentimeter hohe, steinerne, mehr als 31000 Jahre alte Frauenfigur, die mit ihrem erhobenen linken Arm, dem gedrehten Körper und den getrennten Beinen grazil und tänzerisch wirkt.

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Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Zu den berühmtesten Tänzerinnen des 19. Jahrhunderts zählte die österreichische Künstlerin Fanny Elßler (1810–1884), eigentlich Franziska Elßler. Sie und die italienische Tänzerin Carlotta Grisi (1819–1899) sowie die schwedisch-italienische Tänzerin Marie Taglioni (1804–1884) gelten als die drei bedeutendsten Primaballerinen der Romantik.

Franziska („Fanny“) Elßler kam am 23. Juni 1810 in Gumpendorf bei Wien zur Welt. Ihr Vater Florian Elßler verdingte sich vor ihrer Geburt aus Not sogar aushilfsweise als Scharfrichter. Er lief aber davon, als er dem ersten zum Tod Verurteilten die Schlinge um den Hals knüpfen sollte, ohne jemals sein grausiges Amt ausgeübt zu haben.

Später wurde Florian Elßler Kammerdiener und Notenkopist des österreichischen Komponisten Joseph Haydn (1732–1809), in dessen Hofkapelle schon Florians Vater als Geiger gespielt hatte. Nach Haydns Tod geriet die Familie Elßler in finanzielle Schwierigkeiten. Fannys Mutter musste als Waschfrau zum Lebensunterhalt beitragen.

Bereits im Alter von sieben Jahren traten Fanny und ihre zwei Jahre ältere Schwester Therese Elßler (1808–1878) in die Ballettschule des „Wiener Hoftheaters“ am Kärntnertor ein. Fanny war temperamentvoll, Therese still, beherrscht und fast ein wenig scheu. Beide studierten bei dem französischen Ballettmeister Jean Aumer (1774–1833).

Fanny Elßler war erst 14 Jahre alt, als der Direktor des „Teatro San Carlo di Napoli“ (Italien), Domenico Barbaja (1778–1841), sie und ihre 16-jährige Schwester engagierte. In Neapel arbeitete Fanny von 1824 bis 1826 und verbesserte dabei ihre Technik. Während dieser Zeit wurde sie die Geliebte Leopolds Prinz von Salerno (1790–1851), bekam mit 17 Jahren ein Kind und steckte dieses in ein Pflegeheim, damit sie sich weiter der Kunst widmen konnte.

Die beispiellosen Erfolge von Fanny und Therese Elßler begannen 1830 in der preußischen Hauptstadt Berlin, die bereits damals als bedeutendes Kulturzentrum galt. Dorthin hatte ein hochgestellter Verehrer der 19-jährigen Fanny, der 65 Jahre alte deutsche Intellektuelle Frederick von Gentz (1764–1832), ein Engagement vermittelt.

Als 23-Jährige brachte Fanny Elßler ihr zweites Kind zur Welt, das sie nach ihrer Schwester Therese benannte. Harriet Grote, die Frau eines britischen Parlamentsmitglieds, zog die kleine Therese auf und führte sie später in die höhere Gesellschaft Großbritanniens ein.

Durch ihre Auftritte in London erregte Fanny Elßler weltweit Aufsehen. Auch der Direktor der Pariser Oper, Dr. Louis-Désiré Véron (1798–1867), wurde auf sie aufmerksam und holte sie in die französische Hauptstadt, wo sie die Konkurrentin der schwedisch-italienischen Tänzerin Marie Taglioni wurde. Bevor Fanny in Paris ihr erfolgreiches Debüt gab, trainierte sie drei Wochen lang hart mit dem Tänzer Auguste Vestris (1760–1842).

1834 heiratete Fanny Elßler den Publizisten, Politiker und Operndirekor Dr. Louis-Désiré Véron. 1836 präsentierte sie in Paris als erste den spanischen Solotanz Cachucha im Dreivierteltakt mit Kastagnettenbegleitung. Der französische Dichter und Kritiker Theophile Gautier (1811–1872) schrieb darüber: „Sie wagt, was vor ihr von keiner Tänzerin gewagt worden ist: als erste bringt sie die Cachucha, fast ohne ihr das natürliche Aroma zu nehmen, auf die prüde Opernbühne“. Später eroberte Fanny mit den feurigen Nationaltänzen Polka aus der Tschechoslowakei und Krakowiak aus Polen die Bühne.

Fanny Elßlers Konkurrentin Marie Taglioni wurde 1838 klar, dass sie an der Pariser Oper nicht mehr der einzige Star war. Sie schloss einen lukrativen Vertrag mit dem kaiserlichen Ballett in Sankt Petersburg (Russland) und verließ Paris. Dadurch stieg Fanny Elßler zum alleinigen Star der Pariser Oper auf. Für sie choreographierte der italienische Tänzer und Choreograph Jean Coralli (1779–1854) das Stück „Le Diable Boiteux“ und der französische Tänzer, Choreograph und Ballettmeister Joseph Mazilier (1801–1868) „La Gypsy“.

Auf dem Höhepunkt ihrer Karriere unternahm Fanny Elßler 1840 eine Tournee durch die USA. Zu ihren Ehren gab der Kapitän des Passagierschiffes „The Great Western“ eine Dinner Party, wobei Fanny den Fehler beging, alle ihre kostbaren Juwelen zu tragen. Später wurde sie in ihrer Kabine von einem mit einem Messer bewaffneten Seemann attackiert, der sie ausrauben wollte. Fanny trat ihn mit solcher Kraft, dass der Angreifer drei Tage später starb.

In Washington, D. C., wurde Fanny Elßler von dem amerikanischen Präsidenten Martin van Buren (1782–1862) in einer offiziellen Audienz empfangen. Der US-Kongress musste jeden Abend, an dem Fanny tanzte, seine Sitzung verschieben, weil die meisten seiner Mitglieder die Vorstellung sehen wollten und deswegen keine Beschlüsse mehr gefasst werden konnten. Bei einem Bankett tranken Kongressmitglieder aus Fannys Ballettschuhen. Der Sohn des Präsidenten wurde ihr ständiger Begleiter.

Wenn Fanny Elßler zu ihren Auftritten im „New York’s Park Theatre“ fuhr, spannten Fans die Pferde von ihrer Kutsche ab und zogen sie eigenhändig durch die Straßen der Stadt. Dies wurde bald an jedem Abend zur Tradition. In West Point musste Fanny jedesmal erst vor ihren Wächtern auftreten, bevor diese sie zur Vorstellung begleiteten.

Die Amerika-Tournee brachte Therese Elßler finanziell so viel ein, dass sie ihren von der Pariser Oper gewährten Urlaub um mehr als ein Jahr überziehen und dafür eine entsprechende Konventionalstrafe bezahlen konnte. Nach zweijährigem Aufenthalt in den USA trat Fanny 1842 in Boston Harbor die Rückreise nach Europa an. Dort kam eine riesige Menschenmenge an den Pier, um die Tänzerin zu verabschieden.

Nach der Rückkehr in Europa warf die Pariser Oper Fanny Elßler die Verletzung ihres Vertrages vor und kündigte ihr. Dies kümmerte die Tänzerin wenig, weil sie in der Folgezeit zahlreiche Gastspiele in anderen Ländern gab. Ab 1848 tanzte die 38-jährige Fanny in Russland, wo sie innerhalb von zwei Jahren ingesamt 103 Vorstellungen gab, ehe sie nach Westeuropa zurückkehrte.

Im Juni 1851 gab Fanny Elßler mit dem Stück „Faust“ des französischen Tänzers und Ballettmeisters Jules Perrot (1810–1892) in Wien ihre letzte Vorstellung. Danach zog sie sich – noch auf voller Höhe ihres tänzerischen Könnens – ins Privatleben zurück, lebte mit ihrer Tochter Therese zunächst in Hamburg und ab 1855 wieder in Wien.

Fannys auf der Bühne nicht ganz so erfolgreiche Schwester Therese heiratete 1857 den Prinzen Adalbert von Preußen (1811–1873) und wurde zur „Freifrau von Barnim“ geadelt. Thereses einziger Sohn starb als Jüngling während einer Afrikareise.

Die wohlhabende Fanny Elßler starb am 27. November 1884 im Alter von 74 Jahren in Wien. Zur Erinnerung an die legendäre Tänzerin ist das 1988 am Galgenberg von Stratzing bei Krems entdeckte früheste Kunstwerk Österreichs von der Ausgräberin Christine Neugebauer-Maresch als „Fanny – die tanzende Venus von Galgenberg“ bezeichnet worden. Dabei handelt es sich um eine 7,2 Zentimeter hohe, steinerne, mehr als 31000 Jahre alte Frauenfigur, die mit ihrem erhobenen linken Arm, dem gedrehten Körper und den getrennten Beinen grazil und tänzerisch wirkt.

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Barbara Campanini: Die "große Barberina"

2007-12-20T23:34:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Als berühmteste italienische Tänzerin des 18. Jahrhunderts gilt Barbara Campanini (1721–1799). Ihr Publikum, ihre Kolleginnen und Kritiker bezeichneten die Künstlerin liebevoll als „La Barberina“. Besonders umjubelt hat man sie in der preußischen Hauptstadt Berlin, wo sie ihre größten Triumphe feierte.

Barbara Campanini kam am 7. Juni 1721 in Parma (Italien) zur Welt. Sie studierte bei dem Ballettlehrer Rinaldi Fossano und ging mit ihm als seine Partnerin auf der Bühne nach Paris. Dort feierte sie 1739 in der Oper ihr Debüt in „Rameaus“ und „Fêtes de Hèbé ou Les Talens Lyriques“. Danach tanzte sie in London und Venedig.

1743 trat Barbara Campanini wieder in Paris auf, wo sie einen Vertrag mit der „Königlichen Oper“ in Berlin schloss. Doch als ihr Lord Stuart de Mackenzie einen Heiratsantrag machte, reiste sie mit ihm nach Venedig. Daraufhin ersuchte der preußische König Friedrich II. der Große (1712–1786) den Senat von Venedig, die Tänzerin auszuliefern.

Aus Rache für die Ablehnung seines Ersuchens veranlasste der Preußenkönig die Verhaftung des durch preußisches Gebiet reisenden Londoner Gesandten Venedigs. Daraufhin wurde Barbara Campanini in Venedig festgenommen und unter Bewachung als Gefangene nach Potsdam gebracht.

Am 8. Mai 1744 trat Barbara Campanini erstmals vor dem preußischen Hof auf. An der Berliner Oper wurde die „Barberina“ stürmisch gefeiert. Angeblich hatte die umjubelte Tänzerin viele Liebschaften. Auch über eine Affäre mit Friedrich II. dem Großen wurde gemunkelt.

Um 1745 schuf der französische Maler Antoine Pesne (1683–1757), der seit 1711 preußischer Hofmaler in Berlin war, ein Porträt der tanzenden Barbara Campanini (Bild oben). Das 2,21 mal 1,40 Meter große Ölgemälde wird heute im Berliner Schloss Charlottenburg aufbewahrt.

Die italienische Künstlerin Rosalba Carriera (1675–1757), eine der größten Malerinnen des Rokoko, fertigte bereits vor 1739 ein Pastelgemälde an, das die „Barberina“ zeigt. Dem Wirken Rosalbas setzte 1746 ein Augenleiden ein Ende. Ihr 56,5 mal 46,5 Zentimeter großes Gemälde kam nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges zusammen mit anderen Kunstschätzen nach Russland und wurde, als es nach Dresden heimkehrte, mit einer eigenen Briefmarke gefeiert.

Das angebliche Verhältnis Friedrichs II. des Großen mit Barbara Campanini soll bald erkaltet und völlig gelöst worden sein, als Carl Ludwig von Cocceji (1724–1808), der Sohn des preußischen Großkanzlers Samuel Freiherr von Cocceji (1679–1755), der Tänzerin auf offener Bühne einen Heiratsantrag machte. 1749 heirateten Barbara Campanini und Carl Ludwig von Cocceji. Friedrich II. schickte den Ehemann der „Barberina“ als Regierungspräsident nach Schlesien, wo die Tänzerin drei Güter erwarb, die sie selbst verwaltete.

Auf Grund beiderseitiger Abneigung scheiterte die Ehe 1788. Nach der Scheidung wurde die „Barberina“ 1789 zur „Gräfin von Campanini“ erhoben. Sie verbrachte die restliche Zeit ihres Lebens auf ihren Besitzungen, die sie in eine karitative Institution für verarmte Edelfrauen umwandelte und stand der Stiftung als Äbtissin vor.

Die Gräfin von Campanini starb an ihrem 78. Geburtstag am 7. Juni 1799 auf ihrem Gut in Barschau (Schlesien). Lange nach ihrem Tod erschienen die Bücher „Die Tänzerin Barberina“ (1915) und „Des großen Friedrich Ballerina Barberina“ (1922). Mit ihr befassten sich auch die Filme „Die Tänzerin Barberina“ (1919/1920) und „Barberina, die Tänzerin von Sanssouci“ (1932). In der Berliner Staatsoper wurde 1935 das Ballett „Die Barberina“ mit der Musik von Herbert Trantow, choreographiert von Lizzi Maudrik, uraufgeführt.

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Margot Fonteyn: Die "Königin des Tanzes"

2007-12-20T23:31:00.000-08:00

Video "Sleeping Beauty" (Margot Fonteyn) von Youtube

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Großbritanniens führende Ballerina war dreieinhalb Jahrzehnte lang die Tänzerin Margot Fonteyn (1919–1991), geborene Margaret („Peggy“) Hookham, verheiratete Dame Margot Fonteyn de Arias. Dank ihrer Bewegungen von traumhafter Grazie, ihres vibrierenden, sprechenden Körpers und ihres lyrischen, schwebenden Tanzstils galt sie als „Königin des Tanzes“. Als Mitglied des „Royal Ballets“ verhalf sie dem englischen Tanz wieder zu Weltgeltung.

Margaret Hookham kam am 18. Mai 1919 als Tochter des britischen Mineningenieurs Felix J. Hookham und einer Brasilianerin in der südenglischen Stadt Reigate zur Welt. Die Eltern ihrer Mutter verdienten mit dem Anbau und Verkauf von Kaffee ihren Lebensunterhalt. Bereits als Vierjährige erhielt „Peggy“ erstmals Tanzunterricht, womit ihre Haltung verbessert werden sollte. Mit sechs machte sie an der „Royal Academy of Dancing“ in England ihre ersten Tanzschritte.

Von 1927 bis 1932 lebte Margaret Hookham mit ihren Eltern in Tientsin, Hongkong und Shanghai in China, wo der Vater als Ingenieur arbeitete. In Shanghai, wohin nach der Revolution viele Russen geflüchtet waren, wurde „Peggy“ durch den ehemaligen Tänzer des Bolschoi-Balletts, George Gontschrow, unterrichtet. Als Elfjährige erlebte sie in Tientsin ihren ersten öffentlichen Auftritt.

1932 kehrte die Familie Hookham nach Großbritannien zurück. Anfangs arbeitete „Peggy“ mit der russischen Ballettlehrerin Seraphina Astafiewa (1876–1934) und danach mit Ninette de Valois, die die 15-Jährige in das Ensemble des Vic-Wells-Balletts aufnahm. Als Ninette de Valois das Mädchen erstmals an der Trainingsstange sah, hielt sie es wegen ihres exotischen Aussehens irrtümlich für eine kleine Chinesin.

Der erste Auftritt Margot Fonteyns fiel noch bescheiden aus. In der Weihnachtsinszenierung des Vic-Wells-Balletts tanzte sie 1934 als Schneeflocke im „Nußknacker“. Ihr Künstlername „Fonteyn“ ist vom Mädchennamen „Fontes“ ihrer Mutter abgeleitet.

1935 widmete der englische Tänzer und Choreograph Frederick Ashton (1906–1988) Margot Fonteyn in „Le Baiser de la Fée“ zum ersten Mal die Titelrolle eines seiner Ballette. Anfangs fand er nur schwer Kontakt zu ihr, später schneiderte er ihr viele große Rollen förmlich auf den Leib. Als die Ballerinia Alicia Markova das „Vic-Wells-Balletts“ verließ, stieg Margot Fonteyn als 17-Jährige zu ihrer Nachfolgerin und bald zum Star der Truppe auf.

Mit 18 Jahren lernte Margot Fonteyn den aus einer alten panamaischen Politikerfamilie stammenden Jurastudenten Roberto de Arias kennen und verliebte sich in ihn. Doch das Paar verlor sich eines Tages aus den Augen.

1940 wurde Margot Fonteyn als Primaballerina des „Sadler’s Wells-Balletts“ und 1945 der „Königlichen Oper Covent Garden“ berufen. Ab 1946 gab sie Gastspiele auf dem Kontinent. 1947 trat sie in Paris auf, danach in Kopenhagen, und 1949 unternahm sie eine Amerika-Tournee, während der sie an der New Yorker „Metropolitan Opera“ („Met“) tanzte und zur „Primaballerina der Primaballerinen“ ausgerufen wurde.

1951 ernannte man Margot Fonteyn zum „Commander of the Order of the British Empire“. Im Oktober 1952 erkrankte sie an Diphtherie, die zur Folge hatte, dass ihre Arme und Beine „taub“ und in den Nerven unempfindlich wurden. 1954 wurde Margot Fonteyn zur Präsidentin der „Royal Academy of Dancing“ gewählt.

In New York trafen sich 1953 der inzwischen verheiratete Dr. Roberto de Arias, der damals bereits Vater von drei Kindern war, und Margot Fonteyn wieder. Die alte Liebe flammte erneut auf, und nach Arias’ Scheidung heirateten beide am 6. Februar 1955 in Paris. Margots Mann war ein Sohn des früheren Präsidenten von Panama, Arnulfo de Arias (1901–1988). Sie gab ihrem Gatten den Kosenamen „Tito“.

Die englische Königin Elizabeth II. ernannte im Januar 1956 die Tänzerin zur Dame. Fortan trug sie den Namen „Dame Margot Fontey de Arias“.

Im April 1959 verdächtigte man Margot Fonteyn und Dr. Roberto de Arias, an einem Putsch gegen die Regierung von Panama beteiligt gewesen zu sein. Margot wurde in Panama verhaftet und aus dem Land gewiesen. Ihr Mann flüchtete in die brasilianische Botschaft und durfte später nach Brasilien ausreisen.

1959 trennte sich Margot Fonteyn im Einvernehmen mit der Direktion vom „Royal Ballet of Great Britain“, um sich stärker ausländischen Engagements widmen zu können, erhielt jedoch die eigens für sie geschaffene Stellung einer Gasttänzerin, die es ihr erlaubte, nach eigenem Ermessen ihr Auftreten zu bestimmen.

Ab 1962 war Margot Fonteyn oft Partnerin des russischen Tänzers und Choreographen Rudolf Nurejew (1938–1993), der 1961 nach einem Gastspiel des „Kirow-Balletts“ in Paris nicht mehr in die Sowjetunion zurückkehrte und als Gasttänzer der „Covent Garden Opera“ brillierte. Nach ihrem ersten gemeinsamen Auftritt in „Giselle“ rief man das Paar 23 Mal vor den Vorhang.

1964 wurde auf Margot Fonteyns Mann, der sich damals in Panama um einen Sitz im Senat bewarb, ein Revolverattentat verübt. Dabei erlitt er so schwere Verletzungen, dass er fortan von der Hüfte an querschnittsgelähmt und an den Rollstuhl gefesselt war. Er konnte auch nicht mehr sprechen.

Als Sternstunde des Tanzes gilt der gemeinsame Auftritt Margot Fonteyns und Rudolf Nurejews in den Titelrollen von „Romeo und Julia“ am 9. Februar 1965 in der Londoner „Covent Garden Opera“. Danach applaudierte das Publikum den beiden Künstlern 40 Minuten lang. 1975 erschienen Margot Fonteyns Memoiren, 1981 stellte das „Zweite Deutsche Fernsehen“ (ZDF) sie als Moderatorin der TV-Serie „Vom Zauber des Tanzes“ vor.

Margot Fonteyn schrieb ihre Memoiren unter dem Titel „Margot Fonteyn Autobiography“ (1975, deutsch: „Die zertanzten Schuhe“). Aus ihrer Feder stammen auch die Bücher „A dancer’s world“ (1978, deutsch: „Tanzen“) und „The magic of dance“ (1979, deutsch: „Vom Zauber des Tanzes“, 1981).

Nach dem Tod ihres Ehemannes 1989 lebte Margot Fonteyn in ärmlichen Verhältnissen in Panama. Um ihre Altersversorgung zu sichern, wurde im Mai 1990 eine Ballett-Gala mit Rudolf Nurejew veranstaltet. Margot Fonteyn starb am 21. Februar 1991 im Alter von 71 Jahren in Panama-Stadt an Krebs.

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Isadora Duncan: Das Tanzwunder aus Irland

2007-12-20T23:27:00.000-08:00

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Als Wegbereiterin des modernen sinfonischen Ausdruckstanzes rühmt man die amerikanische Künstlerin Isadora Duncan (1877–1927), geborene Angela Duncan. Sie entwickelte ein neues Körper- und Bewegungsempfinden, das sich am griechischen Schönheitsideal orientierte und setzte als Erste klassische Konzertmusik tänzerisch um. Als Gegnerin des klassischen Balletts versuchte sie, den Tanz der Antike wieder zu beleben.

Angela Duncan kam am 27. Mai 1877 als Tochter einer aus Irland in die USA eingewanderten Familie in San Francisco (Kalifornien) zur Welt. 1899 kehrte sie mit ihren Eltern nach Europa zurück. Als sich die Eltern scheiden ließen, wuchs Angela zusammen mit drei Geschwistern bei ihrer als Musiklehrerin arbeitenden Mutter in Armut, jedoch in einer von Liebe und Schönheit geprägten, musischen Atmosphäre auf.

Bereits als Zwölfjährige hielt Angela Duncan die Ehe für sinnlos. In ihren Memoiren schrieb sie später: „Die Benachteiligung der Frauen machte tiefen Eindruck auf mich, und das Schicksal meiner Mutter vor Augen beschloss ich damals schon, mein ganzes Leben im Kampf gegen die Ehe zu verbringen: ich wollte für die Frauenemanzipation, für das Recht jeder Frau eintreten, Kinder zu gebären, wann es ihr beliebte ...“.

Schon als Kind lehnte Angela Duncan das klassische Ballett ab und entwickelte einen eigenen Tanzstil. Mit 16 Jahren änderte sie ihren Vornamen in „Isadora“ ab. In Chicago und New York trat sie zum ersten Mal mit wenig Erfolg öffentlich auf.

Nach dem Verlassen der USA mit 21 Jahren feierte Isadora Duncan die ersten künstlerischen Erfolge in London. Ihr Aufstieg setzte sich in Paris fort und führte sie über Berlin und Moskau wieder nach Paris zurück. Auf Tourneen bereiste sie halb Europa und gastierte in den Metropolen Süd- und Nordamerikas.

Zusammen mit ihrer Schwester Elisabeth Duncan (1874–1948) gründete Isadora Duncan 1904 in Grunewald bei Berlin eine Internats-Tanzschule, in der Kinder kostenlos von frühester Jugend an in ihrem Sinne ausgebildet wurden. Körper, Seele und Geist der Schülerinnen sollten sich gleichermaßen entwickeln. Diese Schule übersiedelte später nach Darmstadt, Salzburg und München.

In Berlin verliebte sich Isadora Duncan in den britischen Schauspieler, Regisseur und Bühnenbildner Gordon Craig (1872–1966). Er wurde ihr Lebensgefährte, sie beglich seine alten Schulden und neuen Rechnungen und brachte 1906 die Tochter Deidre zur Welt. Nach einjähriger Liaison musste sie sich von ihm sagen lassen: „Es kann nicht ewig dauern“.

Bei ihren unvergessenen Auftritten zog Isadora Duncan ihr Publikum vom ersten Augenblick an in ihren Bann. Sie erschien vor einem großen blauen Bühnenvorhang, blieb lange unbeweglich stehen, näherte sich bei den ersten Takten der Musik mehr schreitend als tänzerisch der Rampe, hielt die Arme wie zur Bekrönung über den Kopf und wartete so lange, bis sie die Zuschauer in ihrer Gewalt hatte. Sie tanzte korsettlos und barfuß sowie in griechisch-römischen Gewändern, in Chiton und Tunika, die den Blick auf die entblößten Arme und Beine weitgehend freigaben.

Wegen Isadora Duncans spärlicher Bekleidung verließen in New York einmal 40 Damen zutiefst empört mitten in der Vorstellung das Theater. Die bei Sprüngen und dem Sichemporheben entstehenden natürlichen Körperbewegungen wurden von ihr so unterstrichen, dass sie wie eine Schwebende oder Fliegende wirkte, die jede Verbindung mit dem Boden vergessen ließ.

„Sie hatte etwas von einem großen Wind an sich. Auch wenn sie regungslos blieb, schien doch ihr Haar, ihre Kleidung, ja selbst die Luft um sie in Bewegung zu bleiben, gerade so, als hätte sich der Sturm durch den sie gelaufen ist, in ihren Haaren verfangen“, erinnerte sich die aus Russland stammende Choreographin Tatiana Gsovsky (1901–1992) an sie.

Nach Gordon Craig wurde der französische Nähmaschinen-Erbe Paris Singer (1867–1932) von 1910 bis 1913 der Lebensgefährte von Isadora Duncan. Er schenkte ihr Ohrringe aus zehn Diamanten als Morgengabe und richtete ihr und ihren Schülerinnen eine Villa an der Riviera ein. Noch im ersten Jahr ihrer Verbindung brachte sie 1911 ihr zweites Kind Patrick zur Welt.

Isadora Duncans Glück fand am 19. April 1913 jäh ein Ende, als die Kinder Deidre (7) und Patrick (2) bei einem Autounfall in Paris in die Seine stürzten und ertranken. Ihr Chauffeur hatte vergessen, die Handbremse anzuziehen, als er ausstieg, um den in einer Kurve stockenden Motor zu reparieren. Nach dem Tod ihrer Kinder begann Isadora Duncan zu trinken, wurde füllig und verlor ihre äußeren Reize. Sie scherzte resignierend: „Ich liebe Kartoffeln und junge Männer“.

1922 heiratete die 34-jährige Isadora Duncan in Moskau den 26 Jahre alten russischen Dichter Sergej Jessenin (1895–1925). Er war ein Trunkenbold, verkümmerte draußen in der Welt im Schatten seiner berühmtem Frau, liebte sie, stritt und schlug sich mit ihr, ging allein in die Sowjetunion zurück und hängte sich später in dem Zimmer auf, in dem er mit ihr die Flitterwochen verbracht hatte. Von ihren drei Kindern starb ein Sohn kurz nach der Geburt.

Isadora Duncan kam am 14. September 1927 im Alter von nur 40 Jahren auf höchst dramatische Weise ums Leben: Als sie mit einem Begleiter in einem offenen Bugatti in Nizza (Frankreich) spazieren fahren wollte, verfing sich ihr langer roter Seidenschal, den sie um ihren Hals geschlungen hatte, beim Start so unglücklich in den Radspeichen des Sportwagens, dass ihr der scharfe Ruck das Genick brach. Ihre Lebensgeschichte wurde in dem Streifen „Isadora“ (1968) mit Vanessa Redgrave in der Hauptrolle verfilmt.

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Alice und Ellen Kessler: Die tanzenden Zwillinge

2007-12-20T23:22:00.000-08:00

Video "GERMANY 1959 Alice & Ellen Kessler (Alanis Sharon)" von Youtube
http://www.youtube.com/watch?v=SBlqOFAQch0

Leseprobe aus der CD-ROM "Superfrauen: 14 Bücher auf einer CD-ROM" von Ernst Probst:

Das berühmteste deutsche Künstlerinnen-Zwillingspaar sind Alice und Ellen Kessler. Die beiden 1,75 Meter großen, blonden und langbeinigen Tänzerinnen eroberten nicht nur in Deutschland die Bühne, die Leinwand und den Bildschirm. Der Name „Kessler-Zwillinge“ gilt international als Markenzeichen für brillant-perfekte Tanz- und Gesangskunst im Revuestil.

Alice und Ellen Kessler kamen am 20. August 1936 als eineiige Zwillingstöchter des Ingenieurs Paul Kessler in Nerchau (Sachsen) zur Welt. Alice war die Erstgeborene, Ellen die Zweitgeborene. Ihr Vater schickte beide als Sechsjährige zum Ballettunterricht, damit sie lernen sollten, sich graziös zu bewegen. Doch dabei blieb es nicht. 1947 nahm das Kinderballett der Leipziger Oper die beiden Schwestern auf. 1950 haben sie mit Auszeichnung die Aufnahmeprüfung der Operntanzschule bestanden.

Die Familie Kessler zog 1952 aus der damaligen Deutschen Demokratischen Republik (DDR) in die Bundesrepublik Deutschland. Auch hier setzten die Zwillinge ihre Tanzausbildung fort. Beide gaben bald ihre ursprünglichen Berufsziele auf. Alice hatte Modezeichnerin und Ellen Ärztin werden wollen.

1952 wurden die „Kessler-Zwillinge“ vom Düsseldorfer Revuetheater „Palladium“ engagiert. Dort sah sie 1955 der Direktor des Pariser „Lido“, Pierre Louis Guerin, und verpflichtete sie an sein weltberühmtes Varieté auf den Champs-Élysées. Alice sagte hierzu: „Es war ein unbeschreibliches Gefühl, als wir Guerins Angebot erhielten. Fünf Jahre Lido. Es war für uns so wie die erste Mondlandung für einen Astronauten“. Und Ellen meinte: „Wir haben geglaubt, die Sterne zu erreichen, als wir am ersten Abend zum ,Arc de Triomphe‘ gingen“.

Im „Lido“ tanzte sich das Zwillingspaar innerhalb eines Jahres an die Spitze der britischen Tanzgruppe „Blue-Bell-Girls“. Nach dem Ablaufen des Vertrages mit dem „Lido“ 1960 gingen die beiden Schwestern nach Italien.

Die „Kessler-Zwillinge“ tanzten und sangen auf sämtlichen großen Showbühnen der Welt. Außer im Düsseldorfer „Palladium“ und im Pariser „Lido“ gastierten sie im „Persian Room“ in New York, im Pariser „Olympia“, im „Palm Beach“ in Cannes, im Londoner „Savoy Hotel“, im „Sands Hotel“ und im „MGM-Hotel“ in Las Vegas, im „Mandarin Hotel“ in Hong Kong, im „Tamanaco Hotel“ in Caracas und im „South Sydney League Club“ in Sydney.

Auf dem Bildschirm sah man die „Kessler-Zwillinge“ in Deutschland unter anderem in „Zu jung, um blond zu sein“, „Lieben Sie Show?“, „Alice and Ellen Kessler Show“, „Spiegelbilder Kessler Show“, „Das ist ihr Leben“, „Alice und Ellen im Gespräch“ und „Die sieben Todsünden“. Außerdem traten sie in zahlreichen Fernsehshows in den USA, Frankreich, Italien, England, Südamerika, Japan, Hong Kong, Österreich, Spanien, Holland und Australien auf.

Zu den deutschen Filmen der „Kessler-Zwillinge“ gehören „Okay Mama“ (1955), „Der Bettelstudent“ (1956), „Scherben bringen Glück“ (1957), „Die Zwillinge vom Zillertal“ (1957), „Tabarin“ (1957), „Vier Mädel aus der Wachau“ (1957), „Mit Rosen fängt die Liebe an“ (1957), „Gräfin Maritza“ (1957), „Der Graf von Luxemburg“ (1958), „Mein Mädchen war ein Postillion“ (1958), „Mein Schatz ist aus Tirol“ (1958).

Weitere Streifen drehten die Kessler-Zwillinge in Frankreich („La Francaise et l’Amour“, „Les Magiciennes“) und Italien („Gli Invasori“, „Ill Giovedi“, „Il Complesso“).

1961 standen die „Kessler-Zwillinge“ in Italien für ihre erste Fernsehserie vor der Kamera. Sie waren in Italien die ersten Frauen, die auf der Mattscheibe ihre wohlgeformten Beine zeigten. Obwohl dies in dicken und undurchsichtigen Strumpfhosen geschah, stöhnten viele Süditaliener „Mama mia“. 1962 wählten die Kesslers Italien als Wohnsitz.

Mit zunehmendem Alter spezialisierten sich die „Kessler-Zwillinge“ auf anspruchsvollere Stücke. 1976 beispielsweise traten sie am Münchner „Gärtnerplatztheater“ als „Anna I“ und „Anna II“ in dem Ballett „Die sieben Todsünden der Kleinbürger“ von Bert Brecht (1898–1956) und Kurt Weill (1900–1950) auf. Damit hatte man die Grundidee verwirklicht, ein persönlichkeitsgespaltenes Mädchen von Zwillingen darstellen zu lassen.

Die 43-jährige Ellen Kessler erklärte 1979 in einem Interview mit der Wochenzeitung „Die Zeit“ vor dem Auftritt bei einem Gala-Abend für 1500 Friseure in Travemünde (Schleswig-Holstein), sie hätten schon mit 18 gedacht, „mit 30 ist alles vorbei, dann sind wir alt“. Doch jetzt seien beide Anfang 40, und es sehe so aus, als ob es noch weitergehe, auch über die Mitte der 1970-er Jahre markierte Grenze hinaus: „Wir wollen nicht noch mit 50 mit Netzstrümpfen und Grauhaar herumflattern“.

Alice Kessler sagte beim selben Interview: „Ich find’ das Altwerden nicht unbedingt was Schönes oder freue mich darauf. Aber Angst vorm Altwerden hab’ ich nicht – und man ist ja auch nur so alt, wie man sich fühlt“.

1987 wurden die „Kessler-Zwillinge“ mit dem „Bundesverdienstkreuz am Bande“ ausgezeichnet. Für ihre Verdienste bei der deutsch-italienischen Verständigung erhielten sie den Premio „Capo Circe“.

Das italienische RAI-Fernsehen engagierte 1988 die „Kessler-Zwillinge“ für eine Quizshow-Serie „Die Fabrik der Träume“, in der Alice und Ellen getrennt auftraten. 1992 feierte „Deutschlands Showexport“ sein 40-jähriges Bühnenjubiläum.

Schallplatten der „Kessler-Zwillinge“ entstanden in Deutschland, Italien, Frankreich, den USA, Japan und Spanien. Auch als Schriftstellerinnen haben sich die „Kessler-Zwillinge“ betätigt. Aus ihrer Feder stammen die Bücher „Fröhliche Wege zu einem völlig neuen Fitnessgefühl“ (1983) und ihre Autobiographie „Eins und Eins ist Eins“ (1996).

Alice Kessler hatte eine feste Beziehung mit dem französischen Sänger Marcel Amont, Ellen mit dem italienischen Schauspieler Umberto Orsini. Dass sie nicht geheiratet haben, führen Alice und Ellen nicht auf ihren Beruf oder ihr Zwillingsdasein, sondern auf die Sterne zurück. Eine Astrologin hatte ihnen prophezeit, im Haus der Ehe sei für sie nichts vorgesehen.

Seit 1986 bewohnen die „Kessler-Zwillinge“ ein Doppelhaus in Grünwald bei München, in dem der Wohn- und Bürobereich nur mit verschiebbaren Trennwänden abgeteilt sind.

Charakterlich sind die „Kessler-Zwillinge“ sehr verschieden. Die optimistischere Ellen mit den Grübchen im Kinn erklärte in einem Interview mit der Tageszeitung „Die Welt“, ihre Schwester Alice sei introvertierter, ruhiger, überlegter. Die zögernde Alice sagte über Ellen, diese sei spontaner, aggressiver und treffe schneller Entscheidungen.

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Biografien berühmter Tänzerinnen kostenlos lesen

2007-12-10T01:19:00.000-08:00

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Video: belle-queen (Bauchtanz)

2007-09-07T07:55:00.000-07:00

Link: sevenload.com

Video "belle-queen" bei Sevenload
http://de.sevenload.com/videos/heq0t7z-mukP/belle-queen

Film "Anna Pavlova" (1983)

2007-08-20T23:00:00.000-07:00

Don Quixote

2007-08-20T12:23:00.000-07:00

La Sylphide

2007-08-20T12:22:00.001-07:00

Sleeping Beauty

2007-08-20T12:20:00.000-07:00

Nutcracker

2007-08-20T12:19:00.001-07:00

Carmen

2007-08-20T12:18:00.003-07:00

Romeo and Juliet

2007-08-20T12:16:00.000-07:00

Swan Lake

2007-08-20T12:15:00.000-07:00

Mistinguett 1936

2007-08-20T12:10:00.001-07:00

The Twist 1960

2007-08-20T11:16:00.001-07:00

Mary Wigman's Witch Dance

2007-08-20T11:06:00.001-07:00

Pow wow Mens Northern Traditional

2007-07-31T23:37:00.000-07:00

Michael Jackson Dangerous 1993

2007-07-31T23:33:00.001-07:00

Michael Jackson's best dance

2007-07-31T23:31:00.001-07:00

Robot dance

2007-07-31T23:30:00.001-07:00

Mesmera's Snake Dance

2007-07-17T11:03:00.001-07:00

Snake Dance - Flexible girl

2007-07-17T11:02:00.001-07:00

Laurel and Hardy - The Dancing Masters

2007-07-17T10:56:00.000-07:00

Tibetan dance

2007-07-17T07:14:00.000-07:00

Etnosur, Mercan Dede (Mira Burque) Nar

2007-07-17T07:08:00.001-07:00

Scottish Highland Dancing: Highland Fling

2007-07-17T07:06:00.001-07:00

Riverdance "Thunderstorm"

2007-07-17T07:03:00.001-07:00

Andre Rieu in London playing Sirtaki greek greece dance

2007-07-17T07:02:00.001-07:00

Flamenco

2007-07-17T07:00:00.001-07:00

Samba

2007-07-17T06:58:00.000-07:00

Charlie Chaplin - Table Ballet

2007-07-17T01:23:00.000-07:00

Stan, Ollie and Ricky - Voodoo

2007-07-17T01:21:00.000-07:00

Apache Dance

2007-07-17T01:15:00.000-07:00

Dancing from the 1890s to 1905

Sword Dance- Realm of Light

2007-07-17T01:10:00.000-07:00

Britney Spears - I Love Rock 'n Roll

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Neandertaler waren die ersten Musiker und Tänzer

2007-07-16T23:31:00.001-07:00

Wiesbaden (tanz-welt) - Sichtlich zufrieden mit dem Jagdglück kehrten die Neandertaler einst nach erfolgreicher Pirsch zu ihren Frauen und Kindern zurück. Sie schleppten auf langen Holzstangen, die jeweils von zwei Männern geschultert wurden, große Teile ihrer Beute zu ihren Hütten. Nach dem Verzehr des am Spieß gebratenen Fleisches lagen die Jäger und ihr Anhang aber keineswegs faul auf der Bärenhaut. Nun standen Musik und Tanz auf dem Programm.

Bei solchen Freudenfesten ließ wohl ein Mann aus der Sippe ein länglich-ovales Schwirrgerät in der Luft kreisen und erzeugte damit summende Töne, die den Männern und Frauen in die Glieder fuhren. Es dauerte nicht lange, und der ganze Clan umkreiste wild mit den Beinen stampfend und mit hochgereckten Armen den Musikanten. Demnach sind vor etwa 115000 bis 35000 Jahren die so genannten späten Neandertaler die ersten Musikanten und Tänzer in der inzwischen vier Millionen Jahre alten Geschichte der Menschheit gewesen. Nachzulesen ist dies in dem inzwischen vergriffenen Taschenbuch "Rekorde der Urzeit" des Wiesbadener Wissenschaftsautors Ernst Probst.

Als Beweis für die Musikalität der späten Neandertaler gelten gerade diese Schwirrgeräte. Solche Instrumente, mit denen man einen in der Tonhöhe wechselnden Klang erzeugen kann, wurden noch in historischer Zeit von den Ureinwohnern Australiens, Melanesiens, Afrikas und Südamerikas vor allem als Kultobjekte benutzt. Ihren Überlieferungen zufolge soll das Schwirrgerät in der Urzeit der Menschheit von einem sagenhaften Wesen geschaffen worden sein, als dessen Stimme es galt.

Weitere Musikinstrumente der späten Neandertaler waren Höhlenbärenknochen, die so bearbeitet wurden, dass man damit musizieren konnte. Vielleicht schwang beim Blasen auf die in die Knochen gebohrten Löcher oder beim Aufeinanderschlagen zweier dieser Instrumente der Respekt mit, den die Neandertaler vor diesem Tier hatten. Denn die Jagd auf Höhlenbären war gefährlich.

Auch das vor 35000 bis 10000 Jahren in Europa auf die späten Neandertaler folgende Menschengeschlecht mochte auf Musik und Tanz nicht verzichten. Sie bliesen knöcherne Flöten, wie Funde in Lespaux und Pair-non-Pair in Frankreich sowie in Istállóskö in Ungarn beweisen. Umstritten ist allerdings, ob die frühesten Knochenpfeifen als Musik- oder nur Signalinstrumente dienten. Der mit ihnen erzeugte schrille Pfeifton konnte entweder beim Tanz den Rhythmus oder bei der Jagd verschiedene Signale geben. Derartige Knochenpfeifen hat man beispielsweise in der Steinbockhöhle bei Peggau in der österreichischen Steiermark und in der Gudenushöhle in Niederösterreich geborgen. Sie stammen aus der Zeit vor mehr als 11500 Jahren, als die Jagd auf Rentiere und Wildpferde eine wichtige Rolle spielte.

In der Zeit vor etwa 18000 bis 11500 Jahren haben Menschen in französischen Höhlen die ältesten Tanzspuren hinterlassen, so in der Niaux-Höhle bei Tarascon und in der schlauchartigen Höhle von Tuc d'Audobert im Department Ariege. Es sind Fußabdrücke, die von kultischen Tänzen herrühren, möglicherweise von Jugendlichen, die bei den so genannten Initiationsriten tanzten, bei denen junge Menschen in den Kreis der Erwachsenen aufgenommen wurden. Höhlen mit Kunstwerken wie jene bei Tarascon oder Tuc d'Audobert dienten damals als Heiligtümer für mancherlei Zeremonien.

Tanz wird auch durch Darstellungen aus der Zeit vor mehr als 11500 Jahren belegt. Dazu gehören Ritzbilder auf Schieferplatten in Gönnersdorf bei Neuwied in Rheinland-Pfalz und auf einem Geröll von der Höhlenruine "Teufelsbrücke" bei Saalfeld in Thüringen. Die Gönnersdorfer Funde zeigen hintereinander aufgereihte Frauen, das Geröll von der Teufels-brücke dagegen tanzende Männer.

Die älteste Trompete dürfte vor mehr als 7000 Jahren in Deutschland geblasen worden sein. Sie wurde auf dem Berg Ösel südlich von Wolfenbüttel entdeckt und besteht aus einer 25,8 Zentimeter langen und 12,8 Zentimeter hohen Muschel aus dem Mittelmeerraum, deren Herkunft auf Tauschgeschäfte über große Entfernungen hindeutet. Die ersten Tontrommeln wurden vor mehr als 5000 Jahren von Angehörigen einer in Norddeutschland heimischen Kultur geschlagen, die ihre Toten in Großgräbern unter tonnenschweren Steinplatten bestatteten. Diese Menschen formten aus Ton bis zu 30 Zentimeter große hohle Klangkörper, deren oberer Teil mit Tierhäuten bespannt war.

Die frühesten kleinen Orchester spielten vor etwa 5000 Jahren im alten Ägypten auf. Sie verfügten bereits über Harfen, Flöten, Lauten, Handpauken, Tamburine, Schellen, Doppelflöten, Hackbretter und Handtrommeln. Als erster namentlich bekannter Musiker gilt schließlich der Ägypter Chufuanch, der für Pharao Userkaf vor mehr als 4440 Jahren so gut Flöte spielte, dass er sein reich ausgestattetes Grab in der Nachbarschaft der Königspyramiden von Gizeh anlegen durfte.

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Das vergriffene Taschenbuch "Rekorde der Urzeit" ist zeitweise gebraucht erhältlich bei:
http://www.amazon.de

Weblog über Tanz gestartet

2007-07-16T23:10:00.000-07:00

Wiesbaden (tanz-welt) - Die Anfänge von Musik und Tanz reichen weit in die Geschichte der Menschheit zurück. Nach archäologischen Funden zu schließen haben bereits die so genannten späten Neandertaler in der Zeit vor etwa 115.000 bis etwa 35.000 Jahren getanzt - und vor ihnen vielleicht schon Frühmenschen.

Mit dem Thema Tanz befasst sich künftig das Weblog "Tanz-Welt" unter der Internetadresse http://tanz-welt.blogspot.com. Es präsentiert vor allem Videoclips mit Tanzszenen aus aller Welt.

Wer gerne Musikvideos sieht und hört, kommt im Weblog "Musik-Welt" unter der Internetadresse http://musik-welt.blogspot.com auf seine Kosten. Dort sind Hunderte von Musikvideos aus aller Welt zu finden.